Si sentiste que el mundo dejó de girar por un momento en julio, es porque Beyoncé lanzó su nuevo álbum, “Renacimiento”.
Rolling Stone la ha descrito como la “mejor artista viva” del mundo, con un estrellato que se entrecruza con la moda, la danza, múltiples géneros de música y álbumes visuales.
“Renacimiento” es su séptimo álbum de estudio en solitario y el primero en cinco años. Está siendo ampliamente aclamado como un disco de baile “inmaculado”.
Parte del éxito continuo de Beyoncé implica su muestra de una amplia gama de artistas a lo largo de la historia para superponer y crear un nuevo significado. Lo ha hecho repetidamente como una forma de mostrar a los artistas africanos, y en Renaissance rinde un tributo especial a la música house y disco, y especialmente a su historia queer.
De hecho, todo el álbum está dedicado a su difunto tío gay Johnny. “Él fue mi madrina y la primera persona que me expuso a mucha de la música y la cultura que sirven de inspiración para este álbum”, escribió Beyoncé.
Gracias a todos los pioneros que originan la cultura, a todos los ángeles caídos cuyas contribuciones no han sido reconocidas durante demasiado tiempo.
El primer sencillo del álbum, “Break My Soul”, presenta dos muestras clave y créditos de composición. El primero es el artista de Nueva Orleans Big Freedia, que apareció anteriormente en “Formation” de Beyoncé en 2016. El segundo es de “Show Me Love” de Robin S., una canción que tipifica el género house que creció a partir de los años 80 y se volvió popular en los 90.
El uso de música house a lo largo del álbum, y su muestra de artistas queer como Big Freedia, apunta a una historia queer de la música disco y house que alguna vez fue lo suficientemente controvertida como para causar disturbios públicos.
En una cálida noche de julio de 1979, la discoteca fue asesinada.
Conocida como “Disco Demolition Night”, 50.000 personas se presentaron en un parque de béisbol en Chicago para ver volar una caja de discos disco. Posteriormente, la multitud corrió hacia el campo. Siguió un motín en el que más de 30 personas fueron arrestadas y muchas resultaron heridas.
La popularidad de la música disco creció a lo largo de la década de 1970 y alcanzó su punto máximo con el lanzamiento de “Fiebre del sábado por la noche” en 1977. Una rebelión concentrada contra el género creció en popularidad entre los fanáticos de la música rock, que sentían que el género estaba demasiado obsesionado con los sonidos mecánicos que carecían de autenticidad. .
Los fanáticos del rock realmente temían perder frente a la música disco, pero es difícil separar sus temores del racismo y la homofobia.
El papel protagónico de John Travolta en “Fiebre del sábado noche” en 1977 presentó una versión diferente de la masculinidad, preocupada por la moda y el baile. Actos como The Village People hicieron poco para aliviar los temores de la muerte del rock and roll. El aumento gradual de la visibilidad gay y queer en Nueva York y San Francisco, particularmente en los clubes de música, también se consideró una amenaza.
Desde entonces, los críticos han identificado el movimiento anti-disco como casi completamente poblado por hombres blancos entre 18 y 37 años. El líder del movimiento era el DJ de radio Steve Dahl y en las semanas previas a la explosiva protesta, Dahl y las agencias de prensa que cubrían el movimiento combinaron música disco con R&B y funk, y con hombres homosexuales.
Disco Demolition Night fue el clímax de una protesta que se estuvo gestando durante años. En cierta medida, tuvo éxito en su afán de acabar con la música disco. En los años siguientes, la música disco desapareció de las listas de éxitos y el glam-rock comenzó a tomar su lugar.
Los artistas y el público que adoraban la música disco se vieron forzados a la clandestinidad, en particular la comunidad queer, y así fue el nacimiento de la música house.
A medida que la música disco decaía en popularidad, los artistas ya no podían permitirse los exuberantes sonidos de un acompañamiento orquestal completo, lo que los obligaba a depender de sonidos sintéticos más baratos. Las discotecas se trasladaron a almacenes literales, dando a la música house su nombre.
La música house, como la discoteca, es música de baile para discotecas. Se enfoca en sonidos mecánicos, tempos fijos y sonidos repetitivos. En la década de 1990, gracias a éxitos como Show Me Love de Robin S., la música house se convirtió en la corriente principal y fue utilizada por Cher, Madonna, Kylie Minogue e incluso el éxito pop por excelencia de los 90 de Aqua, “Barbie Girl”.
En los últimos años, la música disco ha experimentado un resurgimiento constante, encabezada por productores como Pharrell, quien colaboró con Daft Punk para el éxito de 2013 “Lose Yourself to Dance”. “Future Nostalgia” de Dua Lipa (2020) fue un tributo a la música disco finamente elaborado y con la duración de un álbum.
El nuevo álbum de Beyoncé también presenta un panteón de otros artistas queer (Ts Madison, Honey Dijon, Syd, Moi Renee, MikeQ y Kevin Aviance), y está diseñado deliberadamente para ser tocado en discotecas. A diferencia de sus otros álbumes, cada pista se mezcla a la perfección con la siguiente, como si todo el álbum fuera un set de DJ alargado.
Beyoncé ha sido particularmente abierta sobre el lanzamiento de una versión acapella e instrumental de “Break My Soul” para que la usen los DJ que pueden remezclar el trabajo. Incluso ha lanzado un nuevo remix del sencillo con Madonna.
El “Renacimiento” de Beyoncé puede asegurar 2022 como el año en que la discoteca y el house cumplieron su resurrección. El nuevo álbum de Lizzo, “Special”, presenta “About Damn Time”, un éxito de baile retro-disco que actualmente se encuentra en la cima de las listas Billboard de Estados Unidos.
Estas artistas femeninas siguen una tendencia ya establecida por Cher, Madonna y Kylie Minogue, quienes se alían públicamente con la comunidad queer y crean deliberadamente álbumes de baile para su audiencia dedicada. Al hacerlo, se han convertido en las mayores estrellas del pop de su tiempo.
David Burton, Profesor, Teatro, Universidad del Sur de Queensland
Este artículo se vuelve a publicar de The Conversation bajo una licencia Creative Commons.