Sobre una pantalla negra, escuchamos una voz que dice: “Déjame decirte de qué se trata ‘Like A Virgin’s’. Es una canción sobre una chica a la que le gusta un chico con una gran polla. Toda la canción es una metáfora de las grandes pollas”.
“Reservoir Dogs” representa un cambio en el poder a medida que el control de la cultura de la generación Baby boom comienza a dar paso a la floreciente Generación X.
Y así se desató una revolución. La voz pertenece al Sr. Brown, miembro de una banda de ladrones de joyas, interpretado por el escritor, director y coprotagonista Quentin Tarantino. La película es “Reservoir Dogs”, una autopsia del atraco que salió mal y una trampa explosiva estrenada hace 30 años que resultó ser una descarga de adrenalina en el corazón del movimiento cinematográfico estadounidense independiente. Antes de “Dogs”, que comenzó con “Shadows” de John Cassavetes en 1959, las películas estadounidenses independientes se consideraban expresiones artísticas unidas que no representaban una amenaza real para el gorila de 800 libras que era el sistema de estudios de Hollywood. El hecho de que la “autenticidad regional” estuviera cosida en el ADN de estas películas se vio más como una desventaja que como una ventaja. Y cada vez que una película independiente lograba romper la corriente principal (“Sweet Sweetback’s Baadasssss Song”, “Pink Flamingos”, “The Return of the Seacaucus Seven”), se consideraban anomalías.
Todo eso cambió con “Reservoir Dogs”. Tarantino decidió mirar hacia el pasado reciente, en particular los desechos descartados de la década de 1970, para allanar el camino hacia el futuro. “Reservoir Dogs” usó el esquema de una historia de robo de joyas que salió terriblemente mal para llegar a lo que realmente se trataba: hablar. La película trata sobre el arroyo balbuceante de conversaciones obsesivas sobre las cosas que realmente importan, la cultura pop, y cómo pueden revelar la propia humanidad (o la falta de ella).
Esto está a la vista en la secuencia circular de apertura de la película cuando los Perros comparten sus opiniones sobre el trabajo de Madonna. Están a punto de cometer un gran crimen pero, por el momento, lo más importante para ellos es qué época del trabajo de Madonna fue la mejor. (“Me solían gustar sus primeras cosas: “Borderline”. Cuando empezó con esa fase de “Papa Don’t Preach”, me desconecté!”). En un momento, el co-líder Nice Guy Eddie (Chris Penn) pregunta si alguien más ha estado escuchando Super Sounds of the ’70s de K-Billy. Canciones como “Heartbeat – It’s a Love Beat” y “The Night the Lights Went Out in Georgia” de Little Tony DeFranco y DeFranco Family son mencionadas y diseccionadas. (Resulta que Nice Guy no se dio cuenta de que Vicki Lawrence fue quien le disparó a Andy. Pensó que era la esposa infiel). Toda esta diafonía se sumó a una nueva visión del mundo donde todo lo viejo es nuevo otra vez.
Cuando termina la escena, tenemos nuestra primera caída de aguja. Primero escuchamos la voz de K-Billy Super Sounds of the ’70s, Steven Wright mientras nombra canciones como “Doesn’t Somebody Want to Be Wanted” de The Partridge Family y “Love Grows Where My Rosemary Goes” de Edison Lighthouse. Luego, escuchamos el ritmo de rock de “Little Green Bag” de George Baker Selection, un éxito menor de 1971. La referencia de la canción a una “bolsa en la pista” sugiere astutamente la recompensa que están a punto de obtener. Mientras suena la canción, los actores se acercan sigilosamente a la cámara en cámara lenta en lo que equivale a la secuencia de título más genial que hayas visto, impulsada por la canción más genial que hayas escuchado. Es impactante cuando el ritmo se ve interrumpido por la inmediatez de la historia cuando nos enfrentamos a la sudorosa realidad de Mr. Orange (Tim Roth), herido de bala y escribiendo con dolor en el asiento trasero de un coche, y Mr. White (Harvey Keitel) mientras hacen una escapada rápida.
Entonces, ¿cuál es el punto de que Tarantino use éxitos menores olvidados de principios de los 70 para poblar su película de atracos de género al estilo antiguo y nuevo? Hay un par de factores en juego.
En primer lugar, “Reservoir Dogs” representa un cambio en el poder a medida que el control de la cultura de la generación del baby boom comienza a dar paso a la floreciente Generación X. Triunfo narrativo “Slacker”. Ahora, con “Dogs”, parecía que los hijos de los Boomers salían y dejaban oír sus voces. Durante mucho tiempo pareció como si los Boomers guardianes estuvieran avergonzados por la década de 1970 y todo lo que abarcaba: Nixon, la música disco, la crisis energética, el punk, la caída de Saigón, los pantalones acampanados. Preferían con mucho adentrarse de lleno en el nihilismo de los go-go de los 80. Tal como se muestra en “Boogie Nights” (otra película empapada en detalles de los años 70), el cambio de los días analógicos de espíritu libre a la dureza calculadora del video casi podría ser un sustituto de la sensación de dislocación de Gen-X como el las comodidades de su juventud dan paso a la incertidumbre profesional y la desconfianza en las instituciones.
[Tarantino] presenta una escena de violencia que rompe tabúes solo para convertirla en un ensueño pop.
Otra cosa que está ocurriendo es la recuperación y reutilización de la propia juventud. Así como los Movie Brats de la era del Nuevo Hollywood (Spielberg, Scorsese, Lucas) reorganizaron las series, los programas de televisión y las películas de estudio que dieron forma a su sensibilidad, los chicos de la década de 1970 estaban haciendo lo mismo. No solo crecieron con clásicos de los 70 como “El padrino” (1972), “Taxi Driver” (1976) y “Star Wars” (1977), sino que también se atiborraron de reposiciones de series clásicas y programas de televisión como “Déjalo”. to Beaver”, “The Honeymooners” y “Green Acres”. Era un brebaje de brujas de la cultura pop.
Pero Tarantino fue un poco más profundo. No solo reverenciaba a los incondicionales del Nuevo Hollywood, sino que también tenía en la misma estima a renegados del grindhouse como Jack Hill, John Carpenter y Tobe Hooper. A medida que el Nuevo Hollywood dio paso a los éxitos de taquilla de los años 80, los niños de la Generación X vieron la calcificación de las películas estadounidenses. Se convirtieron en un éxito de taquilla continuo. La emoción se había ido. Entonces, al volver a su juventud, los cineastas Gen-X buscaban hacer nada menos que revitalizar las películas estadounidenses. También querían hacer éxitos de taquilla. Querían hacerlos con una vanguardia.
Esto nunca es más evidente que en la secuencia central de “Reservoir Dogs”: la escena de la tortura que corta las orejas. El punto de encuentro del almacén de la pandilla se ha vaciado excepto por un desmayado Sr. Orange, un oficial de policía atado (Kirk Baltz) y un merodeador Sr. Blonde (Michael Madsen), un tipo taciturno al estilo de Lee Marvin cuya conducta tranquila oculta una temperamento de gatillo de pelo. El Sr. Rubio no está realmente interesado en hablar con el policía. Prefiere torturarlo porque lo encuentra divertido. Después de sacar una navaja de afeitar, enciende la radio con K-Billy Super Sounds of the ’70s. El DJ presenta el exitoso sencillo de Stealers Wheel “Stuck in the Middle With You”. A medida que la canción comienza a sonar, con sus aplausos sincronizados y cencerro, punteos de guitarra campestres, voces al estilo de Dylan, Mr. Blonde comienza a bailar por la habitación. A medida que comienza a cortar y torturar al policía, querrás mirar hacia otro lado con horror, pero no lo hagas porque la escena es tan estimulantemente “genial”. Te das cuenta de que Tarantino está al mismo tiempo del lado de todos y del lado de nadie. Pone en escena una escena de violencia que rompe tabúes solo para convertirla en una ensoñación pop. Es teatro de choque con un ritmo relajado.
El aspecto más significativo de la banda sonora de “Reservoir Dogs” es el hecho de que incluso tenía una.
Hay algunas otras gotas de aguja notables a lo largo de la película. Después de la bravura secuencia de los créditos iniciales, los miembros de la pandilla comienzan a reunirse en un almacén, incluido el Sr. Pink (Steve Buscemi) con exceso de cafeína, quien insiste en que hay una “rata” en la pandilla. Cuando el Sr. Rubio aparece con un policía atado en su baúl, los tres hombres proceden a patear y golpear al oficial. La escena está ambientada en “I Gotcha” de Joe Tex, una pieza de funk sin PC que trata sobre Tex exigiendo que una mujer satisfaga sus impulsos. A medida que avanza la escena, la canción se recontextualiza en una carcajada burlona ante la impotencia del oficial de policía.
Durante la secuencia de flashback más extendida de la película, se nos muestra quién es el infiltrado y cómo se abrió camino en la pandilla. En una breve escena en su apartamento lo vemos prepararse mientras suena “Fool for Love” de Sandy Rogers en la radio. La inconfundible canción country es discordante al romper con el AM Gold que ha poblado el resto de la banda sonora. En una escena en la que varios de los Dogs conducen, se puede escuchar en la radio la versión uptempo de Blue Swede de 1974 con inflexión de bocina de “Hooked On a Feeling” de BJ Thomas. La canción se usa como telón de fondo mientras discuten los méritos de Pam Grier versus “Get Christie Love!”
La última caída significativa de la aguja llega al final cuando el Sr. White descubre que ha perdido su confianza en la persona equivocada. Al elegir prescindir de una forma de justicia que sellará el destino de ambos, la película hace un corte duro a negro seguido de una tarjeta de título que dice: “Escrito y dirigido por Quentin Tarantino”. Luego, comienza a sonar la cancioncilla con sabor a calipso de Harry Nilsson “Coconut”. Con su estribillo de “¿Hay algo para mi dolor de estómago, doctor?” (una devolución de llamada a la desafortunada condición del Sr. Orange), la canción es como un último rimshot de éxtasis pop.
Posiblemente el aspecto más significativo de la banda sonora de “Reservoir Dogs” es el hecho de que incluso tenía una. Debido a sus limitaciones presupuestarias, las películas independientes rara vez recibieron álbumes de bandas sonoras complementarias. Eran la provenza de los lanzamientos de los grandes estudios. A principios de la década de 1980, cuando MTV y Hollywood establecieron una relación sinérgica, las bandas sonoras se consideraban una herramienta de marketing vital. Parecía como si cada gran lanzamiento de estudio tuviera uno. La esperanza es que un sencillo exitoso ayudaría a la taquilla. No fueron solo películas como “The Big Chill” (1983), “Footloose” (1984) y “Less Than Zero” (1987) las que obtuvieron sus propias bandas sonoras de platino. Películas improbables como “Legal Eagles” (1986) y “Scrooged” (1988) también tenían bandas sonoras. Todo eso cambió después de “Reservoir Dogs”. Antes de “Dogs”, las bandas sonoras de las películas independientes consistían principalmente en partituras quejumbrosas y tal vez una o dos canciones que establecían el estado de ánimo. Después de “Dogs”, las películas independientes se vieron como una puerta de entrada al floreciente mercado de la música juvenil alternativa. Películas como “Amongst Friends” (1993), “Clerks” (1994) y “Trainspotting” (1996) tenían bandas sonoras notables. Las películas independientes ahora estaban listas para rockear.
El impacto de “Reservoir Dogs”, la película y la banda sonora no se sintió inmediatamente como, digamos, el de “Fiebre del sábado por la noche”. Pero no se puede negar su legado duradero. El año siguiente nos traería la crónica de toda la noche “Dazed and Confused” de Richard Linklater con el espíritu del ’76, con su banda sonora de rock clásico utilizada para conectar a los niños descontentos de los años 70 con la generación Grunge de los años 90. . La piedra de toque de la Generación X, “Reality Bites” (1994), brindó aplausos poco irónicos a Peter Frampton y al clásico del power-pop de The Knack, “My Sharona”. La mordaz comedia romántica australiana “La boda de Muriel” (1995) usó la música de ABBA (posiblemente la banda de pop más importante de los años 70) como base romántica. (La banda sonora de la película es más o menos responsable de nuestra continua apreciación de ABBA.) La crónica de drogadicto sin causa de Danny Boyle “Trainspotting” (1996) tomó su tono de los clásicos glam de los años 70 como “Perfect Day” de Lou Reed y especialmente La atronadora “Lust for Life” de Iggy Pop. Películas como “Crooklyn” (1994) y “Dead Presidents” (1995) destacaron los clásicos del R&B y el soul de principios de los 70. Disco finalmente obtuvo el respeto que merecía desde hace mucho tiempo con el festival de baile y conversación de Whit Stillman “The Last Days of Disco” (1998). Las memorias de crítica de rock de Cameron Crowe “Almost Famous” (2000) utilizaron el rock de principios de los 70 (Zepplin, los hermanos Allman, Elton John) como una forma de narrar la muerte lenta de una revolución. Luego, está la epopeya del mundo porno de Paul Thomas Anderson “Boogie Nights”, que utiliza un amplio paisaje sonoro que es lo suficientemente generoso como para incluir todo, desde la belleza pop de KC y Sunshine Band y las emociones hasta el poder del fin del mundo. balada doom de Night Ranger como una forma de representar la transición de los años 70 de espíritu libre a un nuevo mundo donde los avances tecnológicos se confundieron con conexiones humanas. Incluso el MCU participó en el renacimiento de los años 70 cuando la primera (y mejor) entrega de “Guardianes de la Galaxia” usó una cinta de casete de productos básicos de AM Gold (incluido el clásico perdido “Come and Get Your Love” de Redbone) como un Contrapunto monoaural a la acción intergaláctica.
Al final resultó que “Reservoir Dogs” era simplemente un adelanto de la gran visión de Tarantino de recuperar los años 70. En su tríptico policiaco “Pulp Fiction”, logró un milagro de prestidigitación al resucitar la carrera de la estrella más imborrable de aquel Década: John Travolta. Al hacerlo, Tarantino hizo nada menos que resucitar el espíritu del cine estadounidense de los 70. Junto con sus compañeros cineastas de la Generación X (PT Anderson, Wes Anderson, Noah Baumbach, Spike Jonze, Richard Linklater, Doug Liman), ayudaron a marcar el comienzo de un Nuevo Nuevo Hollywood. Antes de “Reservoir Dogs”, las películas independientes estadounidenses viajaban por un camino inferior al de las películas convencionales de Hollywood. Después de “Reservoir Dogs”, estarían en una vía paralela (ya veces elevada). Las películas independientes estadounidenses ya no tuvieron que luchar para obtener la aceptación general. Ahora son la corriente principal.
“Reservoir Dogs” se estrenó por primera vez el 9 de octubre de 1992. Una edición de Blu-ray 4K del 30 aniversario, con escenas eliminadas y dos largometrajes, estará disponible el 15 de noviembre en Lionsgate.