El soberbio y desgarrador drama “Mothering Sunday” describe la relación clandestina entre Jane Fairchild (Odessa Young), una criada, y Paul Sheringham (Josh O’Connor, de “The Crown”), de clase alta. La directora Eva Husson mantiene un firme control sobre las emociones reprimidas en una época —Inglaterra después de la Gran Guerra— mientras los personajes están llenos de optimismo y tristeza en esta adaptación de la novela de Graham Swift.
La historia presenta varios hilos narrativos, que Husson usa de manera efectiva para crear un prisma para observar a Jane en momentos críticos de su vida. El hilo principal tiene a Jane y Paul reuniéndose, discretamente, un domingo por la mañana (Día de la Madre, 1924), para una cita. Puede que sea el último encuentro de la pareja, ya que él está comprometido con Emma (Emma D’Arcy). Una segunda trama tiene lugar unas décadas más tarde cuando Jane (Young otra vez) tiene una relación sentimental con Donald (Sope Dirisu), un hombre negro en la Inglaterra de la década de 1950. La última historia avanza unas cuantas décadas más. Jane es ahora una anciana (Glenda Jackson).
Las experiencias de Jane la convierten en escritora, y Husson capta cómo su protagonista capta pistas sobre el lugar de una mujer en la sociedad, las diferencias entre clases y cuestiones de raza y género. Una escena maravillosa presenta a Jane, desnuda, caminando por la propiedad de Sheringham observando las pinturas, comiendo un trozo de pastel o examinando libros en la gran biblioteca.
Husson habló con Salon sobre su drama íntimo e inteligente, “Mothering Sunday”.
Bastante temprano. Quería ser escritor a los 10 años. Llevaba diarios y numeraba los cuadernos a esa edad. Me buscaron en la calle a los 14 para ser actriz. Fui a la escuela de teatro y no dejaba de pensar, no saben de qué diablos están hablando. Podría hacerlo mejor que esto. Cuando tenía 18 años, ya no quería ser actriz, quería ser directora. Así que desde muy temprano.
Eso era algo que estaba muy presente en el guión y algo con lo que me sentí extremadamente cómodo. Así es como vivo mi vida. Soy consciente de las cosas, y sabía cómo transmitirlo. lo vi en [screenwriter Alice Birch]está escribiendo. Agregué solo unas pocas cosas, como indicadores de tiempo para hacer distinciones claras y las asociaciones para ir de un estímulo a otro, eso fue mucho en el proceso de edición. Por ejemplo, el sonido de una ambulancia en 1948 a Jane tecleando, y cómo pasas de un sonido relativo a otro, como en un sueño.
Usé cosas muy simples para mostrar cómo las personas se sienten atrapadas en su condición. La primera vez que ves a Emma está atrapada en un reflejo de su propia imagen; la ves a través del espejo. Muchos de los personajes están atrapados en la representación de sí mismos. Cuando Jane aparece por primera vez en la pantalla, crees que la ves directamente y ves que está atrapada detrás de un vidrio. Frota, y ese es su trabajo como escritora: pule y limpia hasta llegar a la verdad. Me encanta que tengamos esta imagen de ella completamente perdida en sus pensamientos, puedes ver su concentración y enfoque, y parpadea y se distrae. Esa es una imagen tan reveladora de lo que es ser escritor, la capacidad de perderse en tu propio trance. Esa es la puerta de entrada. Las conexiones entre los Janes en las diferentes épocas son su mirada hacia afuera.
Es solo esta versión intensificada de la lucha de clases. Hace que las cosas sean más obvias y por eso las encontramos más interesantes. Nos atrae la separación de clases. Es un buen terreno para la ficción. Toda la película es realmente una gran exploración de las luchas y conflictos de género, clase y raza. Estoy de acuerdo contigo en lo de la escena con el camarero. Se habló de deshacerse de esa escena, diciendo que era larga y sin sentido, y dije: “¡De ninguna manera, es oro!” Nos da una ventana tan increíble al personaje de Emma. Antes de eso, era una dama fría como el hielo, y muestra que en otro momento u otra era habría sido mucho más libre y en contacto con sus emociones.
Creo que es una capacidad para vivir sus emociones indirectamente. Lo sabe, sin ella no tiene acceso a sus emociones porque las reprime. Eso es justo lo que haces cuando vives esa vida. También es consciente de sus capacidades intelectuales. Él es consciente de que ella es más inteligente y elocuente que él, y está de acuerdo con eso. Tiene algo de modernidad. Ella es genial con los libros. La década de 1920 es realmente refrescante en ese nivel. No sabías lo que era el cinismo. Tenemos una relación muy enfermiza con el cinismo. La gente estaba muy atrapada en sus circunstancias y al mismo tiempo abierta al potencial de algo. Entonces, la gente era fluida sexualmente. ¿Por qué poner palabras en las cosas? Simplemente eras algo. Te atrajo una persona, podría ser un hombre o una mujer. Podrías soñar cosas de una forma mucho más sencilla.
Exactamente. El grupo de Bloomsbury: todos estaban enamorados de todos. Intentaban ser muy sinceros. Existía una necesidad vital, metafísica, de sinceridad. Algunas personas tenían acceso a eso, porque eran más de clase media como Virginia Woolf y Jane. Otros estaban tan limitados que no podían permitirse sentirlo.
El objetivo de eso era demostrar que no estaba perdiendo el tiempo. Ella hizo lo que quería hacer. Ella simplemente camina desnuda en una casa cuando no hay nada sobre su género o su clase que le permita hacerlo. Ella piensa ¿por qué no? ¿Por qué no me mantendría orgullosa y desnuda en este contexto? Se yergue orgullosa y desnuda frente a este muro de nombres de escritores varones blancos que han escrito la historia del patriarcado. Su mera presencia es política. Su relación con Donald es política, pero ella no lo verbaliza, pero creo que es hermoso ver a la gente vivir según los estándares de su ética sin crear un discurso al respecto.
La historia del cine obviamente ha sido moldeada y dominada por una mirada masculina en la que la desnudez se asocia con la lujuria y el sexo, y ha dejado caer la pelota sobre la representación de la desnudez cuando representa diferentes cosas, y lo hace, y una de ellas es la relación con la intimidad. La desnudez también es lo cómodo que estás con alguien. Si te sientes extremadamente cómodo con alguien, eres capaz de pasarte horas hablando con él desnudo sin darte cuenta de que estás desnudo. La desnudez nivela las clases. Cuando Paul y Jane están desnudos, son iguales. Esa es también una fortaleza que ella tiene.
Era importante volver a esa función de la desnudez: ¿Qué dice sobre la intimidad y la política? Cuando ella camina desnuda por la casa, no soy yo mostrándola como una linda gatita sexual, por el contrario, quiero mostrar que el cuerpo político es dueño del espacio, haciendo una declaración política audaz solo por serlo. Esa escena me conmovió hasta las lágrimas en el libro. Estaba aterrorizado y emocionado de llevar eso a la pantalla porque nunca había visto eso. Sé que las mujeres a lo largo de la historia han hecho eso. Ya lo he hecho. Es curioso cómo un gesto tan pequeño puede representar tanto.
La mirada femenina para mí era no rehuir el sexo, porque la desnudez también es sexo, pero en el ámbito de la importancia en una relación era devolverle la debida proporción. Es un minuto de tiempo de pantalla, y el resto es intimidad a su alrededor. Como sociedad, si no representamos la desnudez como realmente es, las únicas representaciones que vamos a tener serán pornografía que está completamente sesgada, sesgada y distorsionada. El cine ha tenido que huir de la representación de la desnudez. ¿Cuántas películas ves en los cines que tienen una exploración adecuada de eso? Es más en la televisión, y no hay tanta suavidad o ternura.
Creo que es muy importante. Todos tenemos que tener una imagen pública en público de cómo se espera que nos comportemos de acuerdo con nuestras clases sociales y nuestra cultura. Conocemos muy bien los códigos cuando se trata de la clase alta británica. Es menos obvio en la clase obrera y el proletariado, y Jane pertenece a esa clase. Eso fue importante para mí para mostrar cuánto Jane tenía que poner un muro de ausencia de emociones en público. No es que tuviera el labio superior rígido; no se le permite emocionarse cuando se entera de una angustia y no se le permite mostrar ninguna emoción. Tiene que ir a la cocina y gruñir como un perro y luego recuperarse y mostrar su rostro. Que las clases trabajadoras no hayan tenido mucho acceso a mostrar emociones en público no se ha explorado tanto ni tan abiertamente, y es un gran problema. La clase media es lo más parecido a un equilibrio perfecto: la comodidad financiera para aspirar a un mínimo de una vida cómoda y no tener la presión de la clase alta. Con mucho dinero, todo está en juego en las relaciones, y es más difícil saber cuán auténticas son. La clase media es lo mejor de ambos mundos. Ser sincero es un privilegio de la clase media, estar alineado con tus emociones, por lo que pude convertirme en cineasta.
“Mothering Sunday” estará en los cines a partir del 25 de marzo. Mire un tráiler a continuación, a través de YouTube.