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Sparks hizo una vista previa de su nuevo álbum de estudio, “The Girl Is Crying in Her Latte”, de una manera adecuada a Sparks: un video musical para la canción principal protagonizada por la actriz Cate Blanchett bailando con todo su corazón mientras usa un llamativo traje amarillo, mientras que la banda, los hermanos Ron y Russell Mael: despreocupadamente se ocupan de sus asuntos en el fondo.

Líricamente, la canción aventurera también es muy característica del enfoque de la banda de Los Ángeles, mezclando una entrega inexpresiva con algunos comentarios sutiles. En el coro, la frase titular se repite cuatro veces, con varias palabras — “sí”, “triste”, “guau”, “malo” — adheridas al final. En otra parte, la canción señala que “mucha gente está llorando en su café con leche” y explica el comportamiento insinuando mundanidad. “Todos los días era lo mismo (mucha gente)/Trataba de descifrar su juego (mucha gente).Sin embargo, al final del día, nunca estamos seguros de por qué cualquiera está llorando en su café con leche, o por qué todos están tan angustiados.

El misterio es ciertamente parte de la belleza de Sparks. Pero es solo una de las razones por las que el dúo sigue siendo tan querido más de 50 años después de lanzar su álbum debut homónimo de 1972. (“The Girl Is Crying in Her Latte” es el álbum de estudio número 25 de Sparks, o el 26 si se cuenta la colaboración de la banda en 2015 con Franz Ferdinand, lanzada como FFS).

Las canciones de los Mael son ingeniosas e inesperadas, como “The Mona Lisa’s Packing, Leaving Late Tonight” del nuevo álbum, que imagina a la legendaria pintura harta de la vida en el museo (y de mantener las apariencias) y decidiendo “tomar su tarjeta de crédito”. y acumule millas”, o la seria pareja de “Take Me For a Ride” desatando una cita nocturna al armar un alboroto.

Musicalmente, Sparks también son singulares. En esencia, los teclados virtuosos de Ron mantienen a flote la voz audaz y operística de Russell, aunque el sonido de Sparks luego se transforma y evoluciona según los estilos y las épocas. Con su programación futurista y texturas de sintetizador aventureras, “The Girl Is Crying in Her Latte” es otra entrada estelar en la obra de Sparks, destacada por el electro-pop filtrado de “Veronica Lake” y el sintetizador de rock pesado de guitarra “Nothing es tan bueno como dicen que es”.

Inmediatamente después del minucioso documental de 2021 de Edgar Wright que abarca toda la carrera “The Sparks Brothers” y la galardonada película musical de la banda “Annette”, Sparks también está montando una increíble ola de impulso y popularidad.

En una tarde reciente, Ron y Russell Mael hicieron Zoom con Salon para hablar sobre el impacto del documental, así como sobre “The Girl Is Crying in Her Latte” y la importancia de las imágenes para la existencia de Sparks.

Habíamos estado trabajando en un proyecto de película, así que hubo algo de tiempo en el medio y nos inspiramos para volver a escribir canciones de tres y cuatro minutos. Y así se unió bastante rápido para nosotros. Fue aproximadamente un año de tiempo, tanto en la escritura como en la grabación.

Estoy seguro de que todo funciona con todo lo demás. Y entonces tal vez cosas subliminales se deslizan en ellos. Hay una canción en particular, “Take Me For A Ride”, que es realmente orquestal en su enfoque y suena más cinematográfica incluso en la instrumentación.

Pero luego, en la película “Annette” que hicimos, e incluso en lo que estamos escribiendo ahora para nuestra próxima película musical, estamos en todo el mapa, incluso musicalmente en esos proyectos. A veces piezas que estaban en “Annette” que no necesariamente suenan cinematográficas de una manera tradicional, como la partitura de una película. Suenan casi [like] piezas que provienen de una sensibilidad pop, pero luego imponen la narrativa de la historia dentro de la letra y el diálogo.

Todo con nosotros ahora es este híbrido donde todo se retroalimenta. En las películas tal vez algunos de los resbalones de Sparks [in] – y luego en Sparks, algunas de las películas se deslizan en eso.

Trabajar en una película musical se siente muy natural. No es que sea fácil, pero se siente como un paso natural para nosotros, porque la incorporación de voces en un escenario musical, aunque con una película musical, es un asunto narrativo largo y múltiples cantantes, oradores, voces, todavía no se siente como si fuera este esfuerzo completamente separado para nosotros. La incorporación de voces parece, incluso en una película musical, una continuación natural de lo que hacemos normalmente como Sparks.

Muchas veces nos gusta tener situaciones en las letras de nuestras canciones. Incluso si el tema puede tener algunos elementos tradicionales, [we might be] tomando un tema tradicional, amor o lo que sea, pero diciéndolo de alguna otra manera en la que no tenga que ser un cliché o trillado.

Incluso se podría decir hasta cierto punto que “Take Me For A Ride” es una canción de amor en cierto modo. Es esta pareja, pero se juntan en este viaje loco que toman una vez a la semana para sacarlos de su vida mundana, haciendo casi una cosa de Bonnie y Clyde o algo así durante el fin de semana para animar las cosas. En cierto modo, se podría decir que también es una canción de amor, pero una canción de amor que viene desde un ángulo completamente nuevo.

Es una situación y una historia bastante singulares; bueno, en primer lugar, que un grupo tenga incluso [25 studio] álbumes, pero que Island Records fue fundamental en el lanzamiento de Sparks a una audiencia internacional. Firmaron a la banda a finales del 73, 74, y nos hicieron venir a Inglaterra para hacer lo que resultó ser el álbum “Kimono My House”. [released in 1974]. Y hubo una reacción tan inmediata y fuerte para la banda y ese álbum, y especialmente la canción, “This Town Ain’t Big Enough for Both of Us” fue un gran éxito. Hicimos cuatro álbumes para Island en los años 70 en ese momento. Y luego nunca hubo ninguna pelea ni nada. Siempre tratas de reorganizar las cosas para tratar de encontrar nuevas formas de trabajar. Y así nos separamos entonces.

Pero lo sorprendente es que en este punto de nuestra carrera, Island Records ahora tuvo la oportunidad de escuchar el nuevo álbum y respondieron a la música que Sparks está haciendo en 2023, y [weren’t responding] al hecho de que, “Oh, ¿no es una gran historia? Teníamos Sparks hace mucho tiempo. Solo como una broma, firmemos a Sparks”. Ellos no funcionan de esa manera. Obviamente quieren ser apasionados por el álbum que están promocionando.

Para nosotros, eso fue lo más satisfactorio: que después de 48 años o lo que sea, ahora Island Records dice: “Dios, Sparks sigue haciendo música realmente contemporánea y provocativa” como lo hicimos para ellos en los años 70. Y por eso querían volver a fichar a la banda. Estábamos muy entusiasmados con la perspectiva.

Realmente nos enorgullecemos de eso. Nos damos cuenta de eso, para no sonar arrogantes al respecto, pero estamos en una posición bastante única en cuanto a las bandas que han existido tanto tiempo como nosotros. Sentimos que cada álbum es menos un movimiento y un reflejo del pasado, y más algo que es parte del futuro. Island vio eso en este álbum, y estamos muy contentos por eso.

Absolutamente, sí.

Sí. Ha sido, quiero decir, una situación de día y noche casi. Después de que salió el documental, se disparó. La última gira que hicimos, estábamos tocando para audiencias más grandes y luego también en lugares con entradas agotadas. Incluso en las redes sociales, ha habido un nuevo seguimiento de personas que no conocían a la banda en absoluto.

Fue necesario que alguien como Edgar Wright expresara su pasión por la música en general, pero específicamente su pasión por la música de Sparks, [and him] diciendo: “Maldita sea, Sparks necesita ser escuchado y visto por una audiencia más grande”, porque siente que lo merecemos y merecemos estar en el mapa musical de una manera más grande. No podía entender por qué Sparks no ha sido un nombre familiar para más personas, y quería intentar, a su manera, hacer algo sobre lo que consideraba algo que no debería estarle pasando a la banda.

Dedicó tres años de su vida a hacer esta película y viajó con nosotros por todo el mundo en giras e hizo todas las extensas entrevistas que se encuentran en el documental: las diferentes personas, cabezas parlantes, [that] ha hablado sobre su aprecio por la banda y lo que Sparks significa para ellos. Y [it’s] no solo músicos, sino que pudo conseguir autores y actores y directores y productores de televisión. Así que es esta amplia gama.

Como mencionaste, lo que también pensamos que era tan positivo es que trató todas las épocas de la banda por igual. Para él no hay una época dorada. Hay épocas en las que se podría decir que comercialmente las cosas no estaban sucediendo tan bien, pero creativamente las cosas seguían sucediendo en esos períodos. Edgar quería transmitir que, en las buenas y en las malas, nuestra visión de hacer lo que crees que es correcto de manera creativa tiene que reemplazar cualquier otra consideración económica o comercial. Al final, lo importante es ser fiel a tu visión creativa.

Mucha gente joven, y mucha gente mayor, pero también mucha gente joven nueva, tomaron ese mensaje y realmente lo relacionaron con ellos mismos también. El tema de la película, en cierto modo, se convirtió más en este mensaje universal para las personas que dudan sobre lo que están haciendo en sus vidas y también en sus vidas creativas.

En cualquier caso, volviendo al punto principal, lo que mencionaste fue que realmente ayudó a atraer una nueva audiencia, y trajo de vuelta a mucha gente que era gente periférica de Sparks a la que le gustaba un período, y luego simplemente no siguió siguiendo a la banda. Pero luego, al tener esta película, dijeron: “Oh, guau, no sé por qué me retiré durante tanto tiempo, pero regresé y luego regresé de una manera más grande ahora. Y veo que ese período era solo una parte de toda esta historia”. realmente ha sido entonces útil para la banda.

También es muy inspirador para nosotros que sea internacional. Esa película tuvo un impacto aún mayor en Japón que en la mayoría de los lugares. No está hecho en japonés, pero la sensación del documental conmovió a la gente allí.

Pronto haremos una gira y tocaremos en lugares más grandes de los que jamás hayamos tocado allí, en parte debido a “Annette”, porque [director] Leos Carax, además de Francia, es Japón donde es más conocido. Pero [it’s] también por el documental. Realmente significa mucho para nosotros que su música, pero a través del documental, llegue a la gente de la misma manera que llega a la gente que es una audiencia de habla inglesa.

Edgar tiene un gran Rolodex. Cuando alguien como Neil Gaiman, a quien admirábamos mucho en el pasado, pero nunca conocimos, te ha estado siguiendo durante tanto tiempo, tratas de fingir como artista que no te conmueven en absoluto las opiniones de otras personas sobre ti, pero tú tiene que ser, en cierto sentido.

El hecho de que todas estas personas de diferentes campos estuvieran siguiendo lo que estábamos haciendo, probablemente hubiera sido paralizante si lo hubiéramos sabido en ese momento. Pero realmente significó mucho para nosotros.

Y luego también, habíamos experimentado lo mismo. [the time] tuvimos 21 noches en las que tocamos todos nuestros álbumes consecutivamente una noche tras otra en el Reino Unido en 2008. Experimentamos eso con el documental, donde muchos períodos no se destacan tanto para nosotros, o tal vez para otras personas como bueno, porque no había nada comercial que lo hiciera destacar.

Para ver todos los períodos desde un punto de vista puramente musical, y el hecho de que alguien como Flea [in the documentary] podría elegir una canción de un álbum que fue ignorado de alguna manera, es realmente un ecualizador. A veces piensas: “Bueno, desearía poder recrear ese período”. Pero nos damos cuenta de que ponemos esfuerzo en cada álbum y hay algo de fuerza en todo lo que hemos hecho.

Sí, es difícil porque si hay 26 álbumes, digamos, y luego un conjunto para nosotros resultó tener aproximadamente 22 canciones; si haces los cálculos, cuatro álbumes ni siquiera tendrán una canción en el conjunto, solo porque es imposible Así que se vuelve más y más difícil.

Pero en realidad es más divertido, en cierto modo, ahora elegir el escenario. En la última gira, hicimos muchas canciones que no eran necesariamente las más obvias. Algo así como lo que Ron estaba diciendo acerca de ser un nivelador de todo, ahora si hacemos algo de un álbum más oscuro, las personas que siguen a Sparks ahora, se están poniendo al día con todo, con los 26 álbumes. Y ahora, hacer una canción que es de un álbum menos conocido, e incluso una pista tal vez dentro de ese álbum que no es tan esperada, fue bien recibida en la última gira.

Hay algunas canciones que van a estar en esta próxima gira que son de álbumes que no hemos hecho y canciones que la única vez que las hemos interpretado fue en esas 21 noches. Tal vez una vez hicimos la canción. Entonces, para la mayoría de las canciones nuevas y antiguas que haremos, es, en el mejor de los casos, la segunda vez que se han hecho. [Editor’s note: Sparks kicked off a UK tour on May 23 and the setlist indeed contained several rarities.]

Sin embargo, en realidad es divertido, porque [we’re able to take] una canción que tal vez ni siquiera suene como una canción en vivo de forma natural, y descubra cómo hacerlo. Tenemos mucha suerte porque nuestro público acepta bastante las excentricidades. Estamos muy complacidos de poder hacer cosas en las que no es como si todo el mundo estuviera saliendo a comprar una bebida mientras tocamos una determinada canción. La gente realmente disfruta el hecho de que haya tal combinación de canciones de todas las épocas y estilos dentro de lo que estamos haciendo. Somos bastante cinéticos en vivo, pero las canciones no necesariamente tienen que ser aquellas en las que simplemente lo estás encendiendo. Puede ser algo que también requiera algo de escucha.

No, esa es una buena analogía. Mejor de lo que podríamos haber dicho.

No mucho específicamente en cuanto a la trama, pero tenemos el error de hacer un gran proyecto narrativo nuevamente después de la experiencia de “Annette”. Y así es una película llamada “X Crucior”. En el comunicado de prensa de Focus Features, lo anunciaron como un musical épico. Nos gusta eso, y eso se puede interpretar como quieras para interpretar lo épico y lo musical también. Todo el diálogo es [again] entregado a través de la canción. Y la historia es probablemente lo más alejada posible de “Annette”. Es un alcance y una escala diferentes también. Así que eso es adecuadamente vago, lo sé.

Lo único que comparte con “Annette” es el hecho de que, estilísticamente, no sentimos que debía haber una unidad en la música. Obviamente, hay un hilo porque es una historia; tiene un principio, un medio y un final. Pero en cuanto a lo que es cada pieza de canto, no sentimos que necesariamente tuviera que haber transiciones suaves. Y eso es algo que se comparte con “Annette”.

Preferimos un enfoque más naturalista del canto dentro de un musical. Aunque hay grandes cosas escritas para Broadway, no estamos muy enamorados de ese tipo de canto, ese tipo de, tal vez desde nuestro punto de vista, [it’s] tal vez un poco sobreexcitado. E incluso cuando las cosas suenan hechas en un sentido más clásico, seguimos llegando como músicos pop. Algo de esa sensibilidad se va a quedar ahí.

Tuvimos mucha suerte con “Annette” porque tanto Adam Driver como Marion Cotillard entendieron a lo que estábamos tratando de llegar en cuanto a la entrega. Funcionó perfectamente para eso. Y así sabemos lo que estamos buscando en el canto para “X Crucior” también.

Hay un hermoso disco de imágenes. [Laughs.] Esas cosas se vuelven cada vez más importantes, como la obra de arte, porque lamentablemente todo se ha simplificado en línea donde no hay sentido de un paquete y que contiene un objeto físico. Queríamos aprovechar al máximo el hecho de tener esos objetos físicos. Creo que hay tres formatos diferentes de vinilo incluso. Pero lo que es realmente genial es que hay una versión real de disco de imágenes del álbum.

Y tienes que tener un casete, solo porque es genial y retro. Pero esas cosas se vuelven cada vez más importantes para nosotros, las versiones físicas del álbum. La transmisión es buena porque puedes acceder a la música como una biblioteca. Pero la desventaja es que no tiene la sensación de que sea un álbum real con un lado A y un lado B, dos lados.

Siempre sentimos que la parte visual y la presentación en vivo y la obra de arte, todo es una cosa con lo que estamos haciendo musicalmente. No es que todo eso te esté disminuyendo como músico para poner tanto énfasis en lo visual, porque desde el principio siempre nos gustaron las bandas que tenían un sentido visual. Realmente tratamos, tanto como podemos, de tener cuidado con todas las cosas que tal vez parezcan una decisión de la compañía discográfica o la decisión de otra persona, como con la carátula del álbum. Para nosotros todo eso es realmente importante.

No exactamente. Y espero que lo que estás haciendo visualmente refleje de qué se trata la música también.

[Laughs.]

[Smiling.] A nuestra manera sutil, hemos hablado de ello. El tema ha sido abordado. Ya veremos. Obviamente, hay horarios y cosas como que todo el mundo está en diferentes partes del mundo en diferentes momentos. Esperamos que suceda, pero no queremos prometer nada. La canción será buena con o sin Cate. Pero con Cate estaría muy bien.

[Laughs.] Sería mejor con Cate, tengo que admitirlo.