Damon Albarn, el cantante principal de Blur y Gorillaz, ha sido criticado recientemente por sus puntos de vista “anticuados” de la composición de canciones modernas. En una entrevista con LA Times, Albarn explicó que el enfoque de “coescritura” de la cantautora estadounidense Taylor Swift estaba en desacuerdo con su visión “tradicionalista” de escribir canciones. Continuó diciendo que la coescritura “no cuenta” como composición.
Criticar a otros compositores por no escribir su propio material es una mala educación para los músicos, especialmente dado que la definición de composición se ha vuelto cada vez más fluida con el tiempo y depende en gran medida del género musical. La música pop a menudo se escribe en colaboración, y estos equipos son cada vez más grandes. De hecho, el análisis de 2017 de la revista Music Week muestra que ahora se necesita un promedio de cuatro escritores y medio para crear un sencillo de éxito.
El proceso de creación de canciones se ha integrado dentro de la industrialización de la industria de la música y se ha enfrentado a ella. Y se ha desarrollado de la mano de los cambios tecnológicos tanto en “fabricación” como en distribución.
La autoría está en el centro de los debates sobre la composición de canciones, en parte debido a la noción del autor creativo, donde el compositor es visto como la principal fuerza creativa de la banda o artista. Gran parte de los ingresos de los artistas generados por la música provienen de las regalías por composición de canciones, y compartir la autoría es una forma de recompensar a los músicos que contribuyen al éxito de una canción de éxito.
El concepto de cantautor, en la forma más tradicional que conocemos hoy (piense en Joni Mitchell, Neil Young, Paul Simon, Dolly Parton), surgió durante la década de 1960 y principios de la de 1970. Fue entonces cuando la música folclórica se cruzó con el desarrollo de la música rock. Y con él vino la idea de ser auténtico.
Este fue un desafío para la escritura de “Tin Pan Alley”, que involucró a los editores de música que empleaban efectivamente a los compositores para crear éxitos para que los artistas los grabaran e interpretaran. Un método alternativo de cinta transportadora, donde las pistas se construyeron enviándolas de un estudio a otro, dependiendo de dónde trabajaran los mejores y más apropiados músicos de sesión, también se consideró algo de lo que alejarse.
Este método fue utilizado por sellos discográficos como Motown en los EE. UU., que transfirieron pistas grabadas entre Detroit y la costa oeste, y las construyeron entre las dos ubicaciones. Esto podría resultar desalentador para los músicos, que a menudo no tenían una visión general de la pista en la que estaban contribuyendo y solo escuchaban la versión final de la canción cuando se lanzaba.
Esta idea de autenticidad se volvió importante para los músicos blancos y negros. Chuck Berry era considerado como “real”, por ejemplo, y también lo era Bob Dylan, mientras que mucha música que se consideraba pop no lo era. La banda auténtica clave en el Reino Unido en ese momento era The Beatles. Aunque comenzaron haciendo covers, pronto desarrollaron un estilo que sonaba único sin dejar de rendir homenaje a sus influencias. Las canciones a menudo trataban sobre sus sentimientos personales o situaciones cotidianas. Este estilo de composición todavía prospera en las comunidades independientes y de bricolaje en la actualidad.
La composición de canciones moderna ha avanzado aún más, y los artistas se involucran con la tecnología de estudio muy temprano en el proceso. Aquí, una canción puede construirse a partir de un ritmo, y el creador de ritmos se considera parte del equipo de composición, que también puede incluir productores, arreglistas, programadores y especialistas en coros. Kanye West, por ejemplo, acredita a 21 músicos en su canción de 2015, “All Day”. Esto puede parecer notablemente diferente de la percepción de la “forma tradicional” de escribir música.
Como discuto en mi libro reciente sobre ingeniería y producción de sonido, cada escritor de componentes en estas complejas pistas de estudio es un especialista en su campo. No solo poseen las habilidades técnicas, sino que también conocen los últimos sonidos underground, por lo que en realidad tienen mucho en común con los equipos de Tin Pan Alley o los escritores de Motown.
De hecho, si tuviéramos que definir la composición de canciones como la construcción de canciones donde antes solo había ideas, entonces cualquier persona involucrada en la creación de una canción es un compositor. Ya sea que los cree un equipo en una línea de producción o un artista solista en un dormitorio, siguen siendo hábiles combinaciones de música, ritmos y letras.
Taylor Swift comenzó su vida profesional como cantante de country, y para ganar credibilidad dentro de esa escena musical tan rigurosa, realmente tenía que saber cómo escribir una canción, así como llevar una como intérprete. Casi seguro, Damon Albarn lo sabe. Sus propias habilidades como escritor realmente se han diversificado para incorporar diferentes tecnologías e influencias musicales. Ambos son excelentes compositores, independientemente de sus formas preferidas de trabajar.
Helen Reddington, profesora principal del Departamento de Música, Escritura y Interpretación, Escuela de Artes e Industrias Creativas, Universidad del Este de Londres
Este artículo se vuelve a publicar de The Conversation bajo una licencia Creative Commons. Lea el artículo original.