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Al considerar los álbumes icónicos de los años 80, los motores de agujas culturales de la nueva ola incluyen LP como “Dare” de Human League, “Rio” de Duran Duran y “The Hurting” de Tears for Fears. Sin embargo, el álbum de estudio orquestado de ABC de 1982 “The Lexicon of Love” se ubica fácilmente entre estos grandes. En deuda con el glamour de Roxy Music, el post-punk con mucho ritmo y el pop sinfónico, el álbum se desmaya con romance y desamor.

La rotación de MTV, y las alucinantes chaquetas de traje del líder Martin Fry, como una en impresionante lamé dorado, ayudaron a la causa de ABC. “The Lexicon of Love” generó dos éxitos Top 40 en los EE. UU. mientras encabezaba las listas del Reino Unido. La banda encontraría un éxito aún mayor en los Estados Unidos más adelante en la década, con el brillante sencillo pop “Be Near Me” y “When Smokey Sings”, influenciado por Motown.

“Siempre experimentábamos cada vez que teníamos que hacer un álbum”, le dice a Salon el líder y líder de ABC, Martin Fry. “La banda evolucionaría y cambiaría radicalmente, supongo. Teníamos un álbum llamado ‘How to Be a Zillionaire’, y era muy electrónico. Tratamos de presentarnos como personajes de dibujos animados”.

Para celebrar el cumpleaños de 40 de “The Lexicon of Love”, ABC recientemente realizó espectáculos en Londres y en todo el Reino Unido con una orquesta completa, la Southbank Sinfonia, dirigida por Anne Dudley. “Ella es alguien con quien he trabajado durante muchos años, y es una directora brillante”, dice Fry, mientras señala que la gira actual de ABC por América del Norte es un poco diferente. “Es la banda. Nos levantamos y tocamos los éxitos”.

El afable músico se acercó desde una habitación llena de bicicletas con un cartel de Sex Pistols en la pared detrás de él. “Este es el tipo de habitación que comenzó siendo mía, pero muchas otras personas viven en esta casa. Entonces, se han hecho cargo”, dice secamente. “Simplemente me dejan sentarme en esta esquina ahora junto a las bicicletas”.

Fry discutió las diferencias entre tocar con una orquesta y una banda de rock, lo que recuerda de hacer “The Lexicon of Love”, el consejo de David Bowie que ABC no siguió y el beneficio inesperado que recibió gracias a MTV.

Bueno, con un espectáculo orquestal, no hay lugar para el error. Todo está anotado; los violinistas tienen sus partituras, e incluso el tipo con un pequeño triángulo en la parte de atrás, espera y toca su triángulo. Está muy estructurado. Lo difícil de hacer allí es permanecer en el guión. No puedes desviarte por un par de barras.

Pero con la banda, hay mucha más libertad. Y tengo que decir que, a medida que pasan los años, aprendes los trucos del oficio. Aprendes cómo prenderle fuego y cómo enfriarlo de nuevo, en el escenario tocando juntos. Cuando empiezas, es realmente emocionante. Pero todavía hay mucha emoción ahora porque la maestría musical mejora con el tiempo, especialmente tocando las canciones una y otra vez.

Toco festivales. A veces tocarás con muchas otras bandas de la década de 1980 o cuando empezamos. Pero otras veces, si toco en un festival, estás tocando con todo tipo de grupos diferentes de diferentes géneros: actos jóvenes, actos antiguos. Y estamos sentados allí, y tienes que ganarte la audiencia. Es interesante tocar para una audiencia que no tiene idea de quién eres. Ahí es donde aprendes tus habilidades, definitivamente. Todo eso va al espectáculo.

Obviamente, cuando hacemos una gira, es la gente la que dice: “Oh, quiero ir a ver ABC. Bajaré y los veré”. En cualquier audiencia, hay muchas personas que han sido arrastradas por sus novios y novias, las mamás y los papás a veces. Y luego tienes que trabajar ese lado de la audiencia también. Lo convierte en un gran espectáculo.

Hace muchos años con ABC, abrimos para Robbie Williams, que no es tan popular en Estados Unidos, pero era muy popular en el Reino Unido. Esto es quizás hace 20 años. Y solías mirar a esa audiencia. A veces eran como 60-70,000 personas. Era algo así como campos de personas. Y podrías averiguar dónde las diferentes secciones de la audiencia estaban zumbando por ciertas cosas. El primer par de millas fueron personas que habían hecho cola y esperado. Y luego en la parte de atrás había otras personas, y luego al costado. Aprendes tu arte escénico de esa manera.

En Sheffield, de donde éramos, había muchas bandas realmente experimentales, bandas como Cabaret Voltaire, los primeros Human League. Def Leppard estaban jugando. Bandas muy definidas, muy diferentes.

Y nos dimos cuenta de que lo que estás tratando de hacer es hacer algo totalmente original. Así que nos pusimos a escribir canciones que fueran muy emotivas, que fueran canciones de amor, canciones de odio: “Poison Arrow”, “The Look of Love”, “All of My Heart”. Muy diferente al estilo del estilo predominante de las bandas en Sheffield. Fue una especie de acto de rebeldía. Querías rebelarte.

Tocamos en fechas de clubes pequeños. Tocabas para una audiencia, tal vez 200 personas, pero todos estaban en bandas. Ese es el espectáculo más duro que puedes tocar. Te miran y dicen: “Mm, sí. No me gustan tus zapatos. Buena parte del bajo, pero sus zapatos no están bien. ¿Sabes a lo que me refiero?”. [Laughs.] Una especie de la audiencia más hipercrítica a la que tocarás en toda tu carrera.

En fin, “El léxico del amor”, recuerdos de su realización. . . Bueno, sucedió algo hermoso cuando David Bowie vino al estudio. Estábamos trabajando en el estudio llamado Good Earth Studios. Tony Visconti lo poseía. Fue el productor de Bowie. Estamos haciendo el disco con Trevor Horn, nuestro productor, y estamos haciendo el disco, y Bowie vino. Éramos fans de Bowie. Era aterrador y sobrecogedor al mismo tiempo.

Sí, entró. Estaba interesado e hizo un par de sugerencias. Estábamos grabando “La mirada del amor”. Tenía dos ochos centrales, porque nunca quisimos un solo de guitarra en nuestros discos en ese entonces, y no queríamos un solo de saxo. Así que dijo: “Deberías tener una sección en la que Martin, el cantante principal, ponga mensajes en un contestador automático y nadie responda”. Es una gran idea. Nunca perseguimos la idea, pero ese fue un gran recuerdo de esas sesiones.

Ya sabes, cada vez que haces un disco, es diferente. Hicimos la mayor parte en un estudio donde habían grabado “Bohemian Rhapsody” de Queen, pero era un estudio diminuto debajo de una tienda de pelucas en Brick Lane, en el East End de Londres. Ahora que es una especie de lugar hipster, un lugar al que deberías ir si alguna vez vienes a Londres. Es un lugar realmente agradable y genial. Pero en ese entonces tomabas tu vida en tus manos si caminabas por la calle afuera. Era una parte vieja y áspera de Londres.

Significaba que simplemente nos quedábamos en el estudio y trabajábamos, trabajábamos, trabajábamos. Estábamos muy concentrados. Y fue nuestro primer disco, así que todo lo que quieres hacer es dormir en el suelo y levantarte y hacer el trabajo del día siguiente. No hay nada fuera de la música. Muchos, muchos buenos recuerdos.

Sin embargo, la cosa es que todos los que van a un estudio. . . en el punto de reproducción, cuando lo reproduces y continúas, subes el volumen de los altavoces, todo el mundo tiene ese momento en el que piensa: “Esto podría llegar al número 1”. Me encanta ese idealismo. Me encanta ese tipo de sueño que todo el mundo tiene.

No importa cuál sea la música, todo el mundo tiene ese sentimiento. Que es de lo que se trata, ¿no? Por supuesto, no todo llega al número 1. Pero supongo que es ese tipo de búsqueda de tus sueños, cuando haces un disco.

Tienes que tener cuidado con lo que sueñas, lo que deseas. Realmente nunca había pensado en eso, pero sí, fue un poco extraño ir al No. 1.

Roxy Music era el No. 1. Los idolatraba cuando era niño, y éramos el No. 1 la semana siguiente. Los sacamos del puesto No. 1. Entonces, ¿cómo funciona eso? Pero quiero decir, lo que aprendes es que alguien tiene que estar allí. No sé, de verdad.

Pasé toda la década de 1980 pensando en cada vez que teníamos éxito, siempre estabas pensando en lo siguiente. ¿Cómo lo sigues? Digamos que llega al número 3 en las listas. Estás pensando, “Bueno, ¿quién es el número 2, quién es el número 1?” Eso es algo terrible, si lo piensas. Y te animan a pensar de esa manera por las etiquetas. es una locura Y nada de eso realmente importa. Se trata de la música.

Sí. Es bueno salir de esa cabalgata y volver a las ideas. Las ideas y el tipo de materia prima y el arte, el núcleo de lo que estás haciendo. Sí, definitivamente.

Trevor Horn, había hecho “Video Killed the Radio Star” de Buggles, pero había hecho un disco con Dollar que escuchamos en la radio y pensamos que era increíble. Increíble sonido.

Nos acercamos a él y pareció entender de manera innata de qué estábamos hablando. Porque éramos una banda joven arrogante. Íbamos a cambiar el mundo de la música. Nos sentábamos en bares, restaurantes y cafés y le decíamos a la gente: “Así es como iba a ser”.

Pero, por supuesto, eso es solo el cumplimiento de un deseo. Tiras tu manifiesto al suelo. Creo que eso es lo mejor de estar en una banda. Creo que tienes que tener esa actitud loca, definitivamente. Trevor pareció entender. Tenía mucha más experiencia que nosotros, obviamente, porque estaba empezando a producir otros actos, nuevos actos fuera de sus propias canciones.

Me dijo, y tiene razón porque 40 años después, estamos hablando de este disco, pero dijo: “Cuando estás allí, nunca debes comprometerte mientras estás grabando. Si quieres un clarinetista en tu disco, trae un clarinetista. No esperes 30 años para aprender a tocar el clarinete. Haz todo lo que esté a tu alcance para que tu disco sea lo más completo posible, en cualquier forma de música”. Era muy astuto. Fue genial trabajar con él, divertido, con un gran sentido del humor.

Pero sí, estuvo bueno. Hubo muy buena química entre la banda, entre Trevor, todo su equipo. Fue grandioso.

En un espacio de tiempo rápido con el éxito del álbum debut, logramos muchas cosas que las bandas tardarían 10 años en lograr. Era como vivir en alta densidad, así que 15 segundos fueron como 15 minutos. Fue como una especie de explosión. Me tomó un tiempo decidir qué hacer a continuación.

Pero posteriormente, fue genial moverse a través de los años 80 y experimentar y hacer muchos discos diferentes. Para responder a tu pregunta, sí. Bueno, ya sabes, nunca tienes una lista de cosas que quieres lograr y piensas, oh, “tick, tick, tick”. No. Y en ese momento recuerdo haberle dicho a Trevor Horn: “Oh, creo que necesitamos algunas canciones adicionales para este disco”.

Pero tan pronto como algo se hace público, el público decide si le gusta o no. Dicen: “Oh, ese es un álbum clásico”. Bueno, no tengo nada que ver con eso. ¿Sabes lo que quiero decir? Yo estaba allí al principio. No es mi ego el que lo hace. Es el público el que decide si quiere escuchar algo 40 años después, ¿no? ¿Usted sabe lo que quiero decir? Porque ha salido mucha música genial de esos 40 años, música increíble.

En Gran Bretaña, en Londres, era una competencia feroz, por lo que cada banda tenía su propio videoclip. Si miras hacia atrás y piensas en los grupos que existían entonces (Eurythmics, Culture Club, Duran Duran, Spandau Ballet, Depeche Mode, Dexys Midnight Runners, Human League, ABC), todos tenían una apariencia muy definida. Y Célula Blanda. Fue una época muy influyente.

MTV tenía hambre de algunos clips bastante creativos. Realmente no querían tocar el tipo estándar de rock ‘n’ roll. Estaban muy metidos en los clips experimentales. Y muchas de las bandas que surgieron de Gran Bretaña estaban en ese límite, supongo.

Realmente nunca pensé en eso, pero hubo una vez que estaba en Nueva York y entré a comprar una hamburguesa, y el tipo dijo: “No, no tiene que pagarla. Sr. Fry, usted” estoy recibiendo una hamburguesa gratis”. Y pensé, “Bueno, esto es Nueva York”, porque tenía MTV en algún lugar de fondo. Él sabía quién era yo. Eso fue la fama.

La década de 1980 fue un montón de cosas. En Gran Bretaña, era como Duran Duran y todo el Nuevo Cosa romántica. Y luego se volvió hacia la cultura dance rave. Eso se había agotado cuando llegaron los 90, mientras que el EDM despegó más tarde y el grunge despegó más tarde en Estados Unidos. Supongo que las cosas se movían a un ritmo diferente.

Pero es divertido porque durante mucho tiempo, recuerdo que la gente decía: “Ah, son solo sintetizadores. Fue un período muy poco auténtico”. Pero luego hubo un momento en el que fue como si la gente no dijera: “Oh, ¿qué, todavía estás aquí?” Están diciendo: “Oh, eres un poco una leyenda, amigo”. Una audiencia más joven parece entrar en la extravagancia y el resplandor de la década de 1980.

Y ahora, cuando escucho [Lady] Gaga y The Weeknd, puedo ver muchos actos, músicos y artistas contemporáneos, que definitivamente han ido a la escuela de la década de 1980 para comprobarlo todo, definitivamente. Como parte de su influencia, básicamente. Es curioso cómo ha evolucionado. Y ahora es reverenciado de una manera divertida. El interés en la década de 1980 ha durado mucho más de 10 años, mucho más que la propia década. [Laughs.] Así que eso es bueno.

Creo que fue televisado. Fue grabado. Los 70, parte de eso fue filmado, pero todos esos clips de los que acabamos de hablar, son la evidencia arqueológica de la escena pop de los 80. Si quieres saber sobre Pat Benatar o los B-52, échales un vistazo. Puedes verlos en YouTube.