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La estrella de “The Tender Bar”, Lily Rabe, sobre el director de “Confianza”, George Clooney: “Es un gran líder”

Lily Rabe es una de las intérpretes más activas de Hollywood. Sólo en el último año y medio, la has visto en “The Undoing”, “Tell Me Your Secrets”, “The Underground Railroad” y, por supuesto, “American Horror Story”. Ahora, en la nueva película del estudio de Amazon “The Tender Bar”, dirigida por George Clooney, comparte cartel con Ben Affleck, Christopher Lloyd y Tye Sheridan como una tenaz madre soltera con grandes sueños para su único hijo.

Rabe se unió a mí en “Salon Talks” para una conversación sobre ser dirigida por un actor ganador del Oscar, lo que el baile le enseñó sobre la actuación, y cómo mantiene todas sus escenas de muerte tan frescas. Mira nuestra conversación aquí, o lee un Q&A de la misma a continuación.

La siguiente entrevista ha sido ligeramente editada para mayor claridad y longitud.

La película está basada en las memorias del mismo nombre, sobre el crecimiento en Long Island en los años 70 y 80. Quiero saber cómo llegó a este proyecto y quién es su personaje, Dorothy.

Dorothy es la madre soltera del protagonista, y él es su único hijo. Es una historia de madurez en muchos sentidos. También es una historia sobre las relaciones entre madre e hijo, y la familia que construimos cuando nos falta lo que podríamos pensar que es una pieza muy significativa. Su hijo tiene un padre ausente, por lo que tiene una relación extraordinaria con su tío. El libro es muy bonito, y está dedicado a su madre. Tenían una relación tan extraordinaria, tan notable.

Ha dicho que todos los que se acercan a esta película sienten una conexión personal con ella. ¿Qué aspectos de su propia vida personal como madre, como miembro de una familia, le han parecido más relevantes?

Sí que sentí una conexión personal con ella. También sentí que hay papeles que te llegan en diferentes momentos de tu vida. A veces hay esa sensación de un rayo en una botella en la que piensas: “No sólo tengo que interpretar este papel, sino que tengo que hacerlo ahora mismo. En este momento de mi vida tengo esta forma de saber quién es esta persona y de contar su historia, y tengo que hacerlo”. Así es como me sentí con ella. Tanto en el guión como en las memorias me impresionó su tenacidad y también su genuina esperanza.

Tiene una posición predeterminada de optimismo y ambición para su hijo. Habla mucho de Yale y de que será abogado, pero en realidad no se trata de vivir a través de su hijo. No es una madre escénica. No intenta que él llene el vacío de su propia vida. Ella realmente quiere que él sea capaz de avanzar y tener una vida lo más alegre y completa posible. No he experimentado, en un guión o en una película, esa cualidad de la forma en que lo hice al leer esto y luego al interpretarla.

Me preguntaba al ver esto, sobre la actuación en una película con alguien que, como tu director, es también un actor ganador de un Oscar. Has trabajado con muchos grandes directores, pero ¿hay algo diferente en trabajar con alguien que llega desde esa perspectiva?

Sin duda. Pero yo diría que George lo hace de forma absolutamente única. Es un actor que ha logrado tanto, pero realmente creo que es un actor que ama genuinamente el cine. Ama la actuación y ama a los actores. También sabe exactamente el ambiente que hay que crear para que la gente haga su mejor trabajo y se sienta más libre haciéndolo. Él crea ese ambiente genuinamente. También da las notas más maravillosas. Son tan específicas. Son tan simples. Conoce la película que está haciendo. Es tan seguro y claro, y es un gran líder.

Muy a menudo, te encuentras en un set donde puedes sentir en el director esta sensación de duda de sí mismo. Después de una escena, les ves ir a hablar con 10 personas sobre si lo tienen o si deberíamos conseguir más cobertura de seguro y colocar la cámara por aquí. Esto nunca va a suceder con George porque él sabe exactamente lo que necesita. Eso no significa que no vaya a cambiar de opinión o admitir su culpa en algún momento, lo que siempre es bienvenido. Esta idea de “Sé a dónde vamos”, la sentí tan profundamente de él. Fue muy maravilloso trabajar en ese ambiente.

Es una película muy segura en todos los niveles. Hay un nivel de comodidad real que todos parecen tener entre sí. Estuve pensando en las diferentes formas en las que eso se produce, y parte de ello que realmente saltó a la vista es el acento de Long Island y la consistencia de todos. Has hecho acentos antes. ¿Cómo te preparaste para hacer este personaje y conseguir esa voz?

Me encantan los acentos. Viniendo del teatro, la voz -con acento o sin él- forma parte de mi forma de trabajar. Tengo gente maravillosa en mi vida con la que trabajo y me encanta trabajar por mi cuenta. Tenersu voz, ese acento, eso es lo que es. No pueden existir por separado. Ese tipo de trabajo es algo que siempre me gusta hacer. Me encantaba hacerlo con ella, pero no había que encontrarla sin eso.

Has interpretado personajes de Shakespeare y has hecho de Ibsen, y también has interpretado a mucha gente real como Amelia Earhart y Aileen Wuornos. Tienes dos nuevos proyectos en los que interpretas a personas reales, “Love and Death” y “First Lady”. ¿Cuál es la madriguera en la que te metes en esa preparación, o varía de un personaje a otro y de un proyecto a otro?

Sí, varía de un personaje a otro y de un proyecto a otro. Para mí siempre hay un gran sentido de la responsabilidad. Esa responsabilidad viene acompañada de una oportunidad maravillosa, porque tienes que aprender mucho no sólo sobre quiénes eran esas personas, sino quiénes eran esas personas para otras personas. En el caso de esta película, Dorothy no es alguien que haya estado necesariamente en el ojo público. Ciertamente, la gente la conoció a través de la lectura de las memorias, pero yo llegué a conocerla. La conocí en gran medida a través de los ojos de su hijo. Fue un proceso y una cosa maravillosa poder hacerlo.

Me encanta ver a los actores que empezaron como bailarines, ya sea usted o alguien como Margaret Qualley, porque se puede ver la fisicalidad que aportan incluso a estos papeles tan restringidos. Tengo curiosidad por saber cómo has interpretado eso. ¿En qué sentido sigues siendo una bailarina en todo lo que haces?

Me encanta hablar de danza y estoy muy agradecida por el entrenamiento que tuve como bailarina, no sólo físicamente, sino también mentalmente. Aprender esa disciplina a una edad tan temprana, y esta idea de que no llegas a la clase y cortas hasta el final. Tienes que calentar. Siempre vuelves a lo básico y a la primera posición. Como empecé tan joven, tener eso inculcado inconscientemente como parte del proceso que he llevado conmigo a lo largo de mi carrera como actriz, estoy muy agradecida por ello.

También está la idea de contar una historia con la punta de los dedos, porque cuando bailas en el escenario, o si actúas en el escenario, no hay primeros planos. Tu voz y cada parte de tu cuerpo, eso es lo que tienes. No tienes a nadie que pueda hacer un zoom en un primer plano o asegurarse de que está claro que tu mano está agarrando el fondo de la silla. Todo depende de ti para poder expresarlo completamente de la cabeza a los pies. Vuelvo a él todo el tiempo, o no lo dejo nunca. Es así conmigo. Mi madre [Jill Clayburgh] era actriz y mi padre [playwright David Rabe] estaba en el negocio. Empecé a bailar a los tres años. Fue mi camino indirecto para llegar a la actuación, pero fue el mío.

A mi madre le encantaba el ballet, pero ella no había sido bailarina. Sólo era una persona a la que le gustaba. Estábamos en el Upper West Side caminando por la calle, y la forma en que ella cuenta la historia es que era el Broadway Dance Center o algo así, donde puedes ver a los bailarines en el último piso a través de la ventana. Dije, con gran determinación, “Quiero hacer eso”. Y subimos las escaleras y ella dijo: “¿Cuándo podría empezar? ¿Cómo funciona esto?” Y eso fue todo.

Cuando pienso en la danza, pienso en la palabra “repertorio”. Tú en tu carrera has forjado este camino con otros actores en el mundo de Ryan Murphy donde realmente se ha convertido en una especie de compañía de repertorio, donde ves a la misma gente una y otra vez, asumiendo diferentes papeles. Me pregunto si eso también se debe a tu experiencia en la danza, o qué es lo que te atrae como actor al volver a una compañía.

Como actor, me atrae mucho el hecho de tener una relación creativa con la gente cuando es buena. Bueno no significa que nunca sea difícil o que no haya conflictos. Sólo quiero decir que es creativamente bueno en todas las formas en que eso puede ser cierto. Tener esa abreviatura es algo a lo que siempre me gusta volver – ciertamente teniéndola en mi vida en el teatro, trabajando en el Public, trabajando con Dan Sullivan, trabajando en “Horror Story”, trabajando por segunda vez con [“The Undoing’s”] Susanne Bier en un corto período. Dios mío, espero poder trabajar con Barry Jenkins de nuevo. Espero poder volver a trabajar con George y Ben. Son grandes artistas. No hay duda. Pero también es esa cosa que encuentras donde simplemente trabajas con ciertas personas y te das cuenta, “Oh, hemos llegado al corazón de las cosas tan rápido”. Siempre querré caminar hacia eso. Muy a menudo, eso es repetir el negocio.

Usted toma un montón de riesgos en los papeles que usted toma. Te arriesgas mucho en cuanto a la ambigüedad de tus personajes. ¿Qué es lo que le motiva a estos personajes tan diversos?

Mi respuesta ha cambiado porque hace cinco o diez años podría haber dicho: “Escucha, si leoalgo y tengo que hacer el papel, tengo que hacer el papel. Haré cualquier cosa para interpretar el papel”. Me he dado cuenta de que al principio era voluntarioso, con esa idea de que quizá no sé si este director es exactamente alguien que sabe hacer esta película o sabe dirigir esta obra, pero no pasa nada porque me gusta tanto el papel que puedo hacerlo. O la escritura no está realmente allí, pero eso está bien, porque me gusta mucho el papel. Ahora simplemente no funciona. No funciona en un vacío como ese. Necesitas la escritura y necesitas al director o al showrunner o al creador, sea quien sea la persona a cuyo barco te subes, necesitas a esa persona. No sólo no puedes hacerlo solo, sino que es inútil intentarlo.

Por supuesto, lo ideal es encontrar los proyectos en los que todos los elementos están ahí, pero ciertamente hay directores con los que trabajaría sin ni siquiera leer un guión. La esperanza es encontrar algo que marque todas las casillas. Pero incluso si me enamorara de un papel ahora pero no me sintiera alineado o que el material estuviera alineado con el director, no lo haría. Antes podría haber dicho que sí. Así que eso ha cambiado un poco.

Sé lo que tienes por delante, incluyendo un proyecto que está basado en una historia de crimen real. Has muerto mucho en tu carrera, Lily. Te he visto morir muchas, muchas veces. ¿Cuál es el secreto para morir en cámara?

No me siento experta. Lo digo sólo porque cada experiencia es tan increíblemente diferente y puede ser tan dolorosa, pero nunca es la misma. Al igual que ocurre con cualquier escena, no hay dos veces que haya muerto ante la cámara o en el escenario que se hayan sentido remotamente similares. No sé si tengo la respuesta perfecta, pero puedo decir que nunca soy como, “Soy un verdadero profesional en esto”. No soy universitario en esto. Siempre se siente como la primera vez.

“The Tender Bar” ya se puede ver en streaming en Prime Video. Mira el tráiler a continuación, a través de YouTube.

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