Los elogios que Jeff Beck, quien murió a los 78 años, recibió de músicos endeudados durante su vida ya se leen como elogios desenfrenados. Eric Clapton lo había llamado “el guitarrista más singular”, Steve Lukather (Toto) “el guitarrista de Dios” y Joe Satriani “simplemente un genio”.
El gran jazz John McLaughlin describió a Beck como “el mejor guitarrista vivo”, Steve Vai como “único en el uso más superlativo de la palabra” y Noel Redding (Jimi Hendrix Experience) como su “personal favorito”. Brian May de Queen dijo que Beck “cambió radicalmente” su visión de la guitarra.
La fama de Beck no provino de un catálogo de canciones exitosas (aunque hubo, por supuesto, Hi Ho Silver Lining), ni de una cómoda residencia de décadas en una megabanda (aunque hubo muchas supuestas ofertas). En cambio, era el guitarrista de un guitarrista que parecía ser el humilde protagonista en el centro de una plétora de momentos seminales en la historia del pop.
Esos momentos incluyeron la invasión del blues británico de la década de 1960, el movimiento pop-jazz de Stevie Wonder, la fusión funk y la “fusión mundial” de la década de 1970, y el rock, el pop y la música cinematográfica milenaria. Se basó en estilos que incluyen jazz, reggae, folk búlgaro, música clásica occidental e india, e influyó en artistas en un círculo de estilos aún más amplio.
La única herramienta de Beck era la guitarra eléctrica y su ecosistema de pedales y amplificador. A pesar de las evoluciones y los aumentos, este conjunto de herramientas se ha mantenido prácticamente igual para los guitarristas durante los últimos 60 años. La Stratocaster afinada estándar de Beck, con pedales de fuzz, distorsión y eco a través de amplificadores Fender y Marshall, es, con solo un poco de personalización para preservar la afinación en medio de su vigorosa flexión de cuerdas, tan clásica y establecida como parece.
Entonces, ¿cómo usó Beck este instrumento común para crear tal rango estilístico, personalidad y profundidad de expresión?
Un instrumento común para un sonido poco común
Es útil considerar no solo lo que diferencia sino lo que comparten todos estos estilos. En su forma más reductiva, la música puede verse como la manipulación de las dimensiones fundamentales del ritmo (donde los objetos musicales se colocan en el tiempo), el tono (notas individuales y armonía) y el timbre (la cualidad que identifica o el tono de un sonido: su ataque). , volumen, arenilla, etc.).
Todos ellos están abiertos a todos los grados de precisión, rigidez y libertad creativa. Los ritmos pueden ser precisos pero simples, o extremadamente matizados y fuera de la red. El tono se puede tratar como pasos exactos o un continuo suave, y un músico puede optar por un timbre sin cambios o manipularlo extensamente.
Varias habilidades pueden verse como intersecciones entre estas dimensiones, como el fraseo (tono y ritmo), la guitarra rítmica (armonía y ritmo), la articulación (timbre y melodía), la gestualidad (ritmo y timbre), etc.
Diversos estilos exploran estas dimensiones de diferentes maneras. El blues tiende a tener un contexto armónico y escalar simple (pero no fácil), lo que permite una alta sofisticación de articulación, inflexión de tono, timbre y fraseo. El contexto rítmico cíclico y, a veces, de un solo acorde del funk invita a una conexión profunda con sutiles cambios rítmicos. El pop requiere un compromiso despiadado con la accesibilidad melódica. La música clásica india tiene un zumbido y ninguna armonía, lo que permite un compromiso expresivo con una melodía de un solo tono.
En general, la teoría musical y la enseñanza tienden a ver estas dimensiones en cuadrículas exactas (un entramado de ritmos uniformes, tonos y marcadores tímbricos simples), ignorando la vasta expresión entre las grietas. Beck, sin embargo, se comprometió profundamente con todas estas dimensiones, utilizando su gama más completa y sus matices internos. Su técnica poco ortodoxa fue esculpida en un servicio sin ego a su expresión creativa.
Tenía un oído musical intuitivo y control técnico para armonías de jazz sofisticadas, inflexión de tono y melodía, así como una gran delicadeza tímbrica, desde un toque frágil apenas audible hasta una pared de ruido denso. Interactuó con la retroalimentación del amplificador para convertir la “valentía” habitual de la guitarra en cualquier cosa, desde gruñidos mecánicos hasta timbres vocales asombrosos y sonidos de flauta sostenidos de otro mundo.
Una técnica idiosincrásica
El compromiso de Beck con estas dimensiones se manifiesta en su técnica idiosincrásica. Abandonó una púa por el contacto directo con las cuerdas, asegurándose de que cada nota fuera distinta, diferente e importante.
Controlaría simultáneamente la barra de trémolo, el volumen y el control de tono de la guitarra que, con la combinación de armónicos, deslizamiento fuera del traste e inflexión de la mano izquierda, exploró una gama orquestal de posibilidades sonoras. Siempre empujando y nunca complaciente, cada disco exploró nuevos territorios y posibilidades musicales.
Las innovaciones de Beck en el tono de la guitarra principal con los Yardbirds inspiraron a una generación, pero los fanáticos nunca pudieron predecir cómo sonaría su próximo álbum o grupo.
Sin embargo, una cosa permaneció constante: su toque único brillaba en cada nota. El comportamiento tímido, vegetariano, siempre curioso y juvenil de Beck desmentía una profunda sabiduría musical, recordándonos que la creatividad musical y la individualidad provienen del deseo no de impresionar a los demás, sino de expresarnos a nosotros mismos.
Milton Mermikides, Profesor Asociado de Música, Director del Programa MMus y Director Adjunto del Centro Internacional de Investigación de Guitarra, Universidad de Surrey y John McGrath, Profesor Titular de Música, Director Adjunto del Centro Internacional de Investigación de la Guitarra (IGRC), Universidad de Surrey
Este artículo se vuelve a publicar de The Conversation bajo una licencia Creative Commons. Lea el artículo original.