“God’s Country”, dirigida por Julian Higgins, quien la coescribió con Shaye Ogbonna, es un golpe de gracia, una película precisa y exigente sobre el consentimiento y el respeto, la confrontación y la venganza. La historia tiene lugar en Montana, donde Sandra (Thandiwe Newton), la única persona de color en la pantalla, enseña en una universidad local. Vive sola en una casa grande al borde de un cañón. Un día, dos hermanos, Nathan (Joris Jarsky) y Samuel (Jefferson White) estacionan su camioneta en su propiedad. Ella les deja una nota sobre esto. Cuando vuelve a ver el camión, les pide amablemente que no se estacionen allí. Ignoran su pedido y ella toma represalias. Responden violentamente, y eso lleva a Sandra a involucrar al ayudante del sheriff local, Wolf (Jeremy Bobb). Esto solo hace que esta disputa se intensifique.
Sin embargo, Sandra también está preocupada por algunas dificultades en el trabajo, incluido el nombramiento de un nuevo decano y una situación que se desarrolla entre su colega, Arthur (Kai Lennox), y una estudiante, Gretchen (Tanaya Beatty). Estas tramas secundarias también involucran cuestiones de raza y consentimiento.
Higgins construye lentamente el drama hasta un clímax demoledor. Esto, junto con la actuación soberbia y rigurosa de Newton (ella revela tanto sin diálogo) es la razón por la que “El país de Dios” es tan fantástica.
El cineasta habló con Salón sobre su drama abrasador.
Lo que Sandra dice es lo que yo les digo a mis alumnos el último día de clases: esos momentos de nuestras vidas en los que parece que estamos chocando contra una pared y no sabemos cuáles son nuestras opciones. Ese es el sentimiento que inició todo este proceso. A principios de 2017, poco después de las elecciones, estaba hablando con mi compañero de redacción Shaye Ogbonna sobre cómo nos sentíamos en ese momento, y todas las dinámicas y sentimientos en ese momento y querer hacer algo y responder a lo que sentíamos era increíblemente temas apremiantes en el mundo y el país. Estábamos enojados, tristes y asustados. Todos esos sentimientos entraron en el proyecto. Esos sentimientos son una lucha diaria para mí, para navegar estando vivo en este momento. Queríamos ser honestos sobre esos sentimientos en una película en la que la gente realmente quisiera involucrarse con ellos.
En cuanto a las microagresiones, esta es la dramatización de lo personal es una idea política. Todos tenemos diferentes experiencias de la sociedad que compartimos. Incluso estando fuera de una experiencia, podemos observar lo que sucede a nuestro alrededor. Mi madre es una estudiosa del cine feminista y crecí con muchas de esas influencias. Shaye fue criado por su madre en una comunidad negra orientada hacia la iglesia. Trajimos mucho de lo que experimentamos y vimos a la película. Es una película bastante personal para ambos, por extraño que parezca.
El proyecto era usar lo que hemos observado como escritores, y lo que sabemos como participantes en la sociedad y lo que nos importa, y usar las herramientas del medio para hacer que la audiencia entre en el punto de vista de Sandra tanto como podamos. El personaje de Thandiwe está en cada escena, y ella es en gran medida nuestra lente de lo que sucede, y tomamos decisiones sobre dónde colocar la cámara para poner a la audiencia en su lugar. Pero es importante que los personajes sean seres humanos tridimensionales y complejos que pueden cometer errores y tener sentimientos contradictorios y que no sean arquetipos. No sirve a nuestra historia tener buenos y malos con ese tipo de comprensión simplista. Simplemente no se siente cierto.
Shaye es una gran fan del Oeste. No es mi género favorito, para ser honesto, pero es el género de Estados Unidos. Tiene sentido contar una historia sobre el estado de nuestro país, la historia de nuestro país y cómo funcionan las cosas ahora que elegimos ese género. Realmente jugamos con eso cuando lo estábamos escribiendo. Coloqué a Sandra como la granjera en el western clásico. Alguien que quiere labrarse su pedazo de mundo y dejar de hacer lo que quiere hacer. Los cazadores son bandidos. Tenemos al pueblo, al sheriff, a la maestra de escuela que no sabe cómo funcionan las cosas. Queríamos voltear esas cosas. Esos tipos existen y es posible que reconozcas esas escenas, pero estamos buscando hacer cosas diferentes para subvertir el género y hacerte consciente de las expectativas que traes.
Está desafiando la premisa que se supone que debemos aceptar sobre la igualdad presentada como el ideal, que no es el caso para la mayoría de las personas en el país. Tratamos a las personas de manera diferente y tienen diferentes experiencias con las cosas, incluidos los derechos a los que supuestamente tienen derecho. Queríamos tomar un personaje que está en desventaja en esta sociedad que se ha construido. Yo, el hombre blanco, es para quien está diseñada la sociedad. No se considera que la mujer negra esté en casa en la sociedad que construimos. Básicamente, tratamos de dramatizar eso, para que cualquiera pueda ver eso y cómo funciona. En la escena en la que Sandra rechaza por primera vez a los cazadores, está pidiendo algo con lo que cualquiera pueda identificarse: si quieres estacionar en mi propiedad, primero debes pedírmelo a mí. Eso es lógico y tiene sentido. Pero en este mundo, no se le permite decir eso. Ellos lo saben, y ella lo sabe. Ese es el subtexto de esa escena. Ella es lo suficientemente fuerte para ir allí. Queríamos darle a este personaje algo de valor y se basa en cómo espera que el mundo sea algún día. De ahí es de donde viene para nosotros como escritores; queremos un mundo que funcione para todos, y nos enoja y entristece que no sea así.
El paisaje de Montana es muy grande y eso está realmente conectado con los temas de la historia. Tiene tanta historia y ha sido testigo de todas estas luchas. Pero la película también adquiere una dimensión existencial. Las luchas de estas personitas son tan intrascendentes. La naturaleza va a estar aquí mucho después de que todos nos hayamos ido. El paisaje también da una sensación de aislamiento, y es un lugar donde ella quiere sentirse segura y cómoda, y tan hermoso, pero al mismo tiempo, la expone a un peligro potencial, por lo que es esta ironía de ella ser quien es. en este lugar.
El guión se escribió con la idea de que no habría partitura; fue escrito con el diseño de sonido en mente. Soy de un pequeño pueblo rural en New Hampshire, y me encanta el invierno y esa sensación de estar al aire libre en un campo cubierto de nieve y hay una sensación de tranquilidad, que es fácil de ahogar con música o diseño de sonido. La película está diseñada para permitir que esa experiencia comprenda el concepto de silencio donde hay mucho sonido, esa proximidad crepitante en yuxtaposición con la quietud. Ese es el sonido del invierno para mí. El viento, los cuervos, los trenes, hay un propósito temático para estas cosas, pero no es algo que debas notar, sino una experiencia que tienes. Tanta tensión y suspenso provienen del silencio.
En terapia, la imaginería del agua es un desbordamiento emocional; se llama inundación. Y la imaginería del agua está siempre asociada a un exceso de emoción. Revela lo que aprendemos sobre su historia de fondo y al mismo tiempo mantiene a los espectadores intrigados sobre lo que está pasando con ella. Aparece en sus momentos más privados, cuando está contemplando una foto o teniendo una experiencia por su cuenta. Esta idea de que algo se está gestando dentro de ella y se fortalece a medida que avanza la película. Me gusta cuando una película tiene un conjunto abstracto de imágenes porque te permite acceder más a la cualidad mítica y de cuento de hadas. La carga de lo que tiene que enfrentar y llevar con solo existir es lo que queríamos expresar. Para mí, eso hace que lo que hace sea mucho más valiente. Todavía se esfuerza, dado todo lo que ha experimentado, por hacer que el mundo funcione de la manera que ella espera que funcione.
Esa es una declaración tan clara de la cuestión de la película como ocurre. Pienso todos los días en estos ciclos o en los nuestros —personales, nacionales y sociales— ciclos en los que parecemos estar atrapados porque nos negamos a ser honestos sobre nuestra propia historia. ¿Hay alguna manera de interrumpir estos ciclos a los que parece que seguimos regresando? Ese es el desafío de la película. Hicimos la película para provocar esa conversación. Esperamos que al hacer esas preguntas, permitamos que la gente contemple esas cosas. Eso es lo que nos sigue preocupando.
“God’s Country” se estrena en los cines el viernes 16 de septiembre. Vea un tráiler a través de YouTube.