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Desde logotipos hasta fluidez de género, lo que revelan los disfraces de “Station Eleven” después del apocalipsis

El gancho principal de “Station Eleven” es simplemente sentir. Es el tipo de espectáculo proverbial “te reirás, llorarás”, que no es una frase que solemos asociar con una historia sobre un mundo que emerge de una pandemia aniquiladora.

Pero al igual que todas las obras exitosas y meticulosamente realizadas, la adaptación de Patrick Somerville de la novela de Emily St. John Mandel de 2014 nos habla de maneras que no están escritas abiertamente en el guión. Los trajes de Helen Huang, por ejemplo, hablan un diálogo propio.

El ganador del premio Emmy cdiseñador de vestuario le dijo a Salon en una entrevista reciente: “Cuando me disfrazo, me disfrazo de la emoción”. Y eso nos muestra. Los trajes de Huang se convierten en el tejido que une el pasado de la civilización con un futuro culturalmente rico construido alrededor de la comunidad, expresando la posibilidad ilimitada y la creatividad que puede surgir de una pérdida masiva.

A través de sus fabricaciones, ella y Somerville, junto con el también productor ejecutivo Hiro Murai, se propusieron como misión cambiar las expectativas comunes de narrativas y estéticas postapocalípticas. Su versión es un lugar exuberante y salvaje donde los sobrevivientes priorizan la cultura, evidenciada por una banda llamada The Travelling Symphony cuyo propósito es llevar a Shakespeare a las comunidades improvisadas de Michigan.

Esta colorida familia nómada de elección eventualmente se cruza con un fanático carismático presentado como El Profeta (Daniel Zovatto) y una comunidad cerrada que surgió de unas pocas docenas de viajeros de aerolíneas varados durante una escala en el aeropuerto de Severn City que, afortunadamente, permaneció libre de virus como enfermedad. derribó a la mayor parte de la humanidad.

El trabajo de un diseñador de vestuario agrega capas al perfil de un personaje, pero en “Station Eleven”, Huang tenía la libertad de usar ropa para describir la esperanza de una era. Junto con eso, ella y su equipo también tuvieron la oportunidad de crear magníficos disfraces para las representaciones de “Hamlet” de la Sinfónica, utilizando artículos de segunda mano de un mundo lleno de basura de antes.

A través de cada facción y la presentación de la Sinfonía itinerante, experimentamos la forma en que Huang responde a las hipótesis existenciales que la mayoría no pensaría en preguntar. ¿Cómo sería el mundo si no hubiera árbitros del gusto? ¿Los logotipos de las marcas contienen un significado más profundo? ¿Cómo cambiarían nuestras elecciones de ropa si todas las reglas de género sobre la moda chocaran y se quemaran con el resto de la civilización? Y si un grupo de personas decide casualmente en 2021 formar un Museo de la Civilización y compartir el liderazgo como “un triunvirato”, ¿cómo informaría eso sobre lo que usaron 20 años después?

Nuestra reciente conversación con Huang recorrió todo este territorio.

La transcripción ha sido editada por su extensión y claridad.

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Gran parte del trabajo postapocalíptico, no todo, pero mucho, trata sobre tierras baldías, falta de recursos y personas que intentan matarse entre sí. Gran parte de la fabricación, gran parte de la paleta de colores es muy marrón y muy gris. La gente se viste más para la estética del espectáculo.

Después de leer el segundo guión de Patrick, la tierra era tan exuberante y cubierta de maleza, y una especie de descripción hermosa de lo que es el trabajo posterior a la pandemia en el Año 20. Por eso quería mucho color.

Otra cosa es que las obras postapocalípticas casi siempre funcionan como si no existiera el mundo anterior. Yo no quería eso. Quería que la ropa tuviera mucho recuerdo del mundo que conocemos actualmente… Quería mucho logo. Solo quería mucha conexión con nuestro pasado.

También quería que fuera muy fluido en cuanto al género. . . Las construcciones normales de la norma de género se han desvanecido, y las personas gravitan hacia lo práctico y lo que les gusta. Incluso en tiempos de incertidumbre, la gente todavía quiere crear y todavía quiere vestirse creativamente, y la necesidad de vestirse y la necesidad de comunicarse a través de la vestimenta es muy evidente en el año 20 de “Station Eleven”.

Pasar por nuestra propia pandemia me hizo darme cuenta de que, en tiempos difíciles, la gente todavía quiere crear. Si realmente miras hacia lo que gravitaba la gente cuando estaban encerrados, como hornear pan o volver a las manualidades, todas estas cosas que implican trabajar con las manos, el arte es algo intrínseco dentro de nosotros y eso realmente no desaparece en tiempos de trauma.

Quería usar muchos de los logotipos de tiendas más grandes, como Target. Cosas que son muy, muy reconocibles hoy en día. Y simplemente no nos dejaban hacer eso. Estaban bien con los logotipos deportivos si eran pequeños. Entonces, si viste a Kirsten (Mackenzie Davis) al comienzo del Episodio 2, ella está usando un Speedo [swimsuit] con la palabra Speedo en él. De hecho, obtuvimos esa cosecha, pero necesitaba múltiplos y no estaba en su tamaño. Así que en realidad hicimos todo el disfraz. Alguien pintó a mano el logo de Speedo en el traje de baño, porque lo quería mucho.

Realmente siento que parte de la historia es clasificar los recuerdos. Hay muchas líneas de tiempo y [themes] sobre aferrarse a las cosas. Y sentí que eso era muy importante de expresar.

Soy una gran persona gráfica, porque siento que los gráficos expresan una época y una época. Hay mucha emoción en los gráficos y el texto en general. Y entonces trato de recrear mucho de eso tanto como puedo.

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Su forma, su tiempo, es más como una sensación de un tiempo en lugar de, “Oh, esta es una marca deportiva”. Son carroñeros y, por lo tanto, incluso si estuvieran usando un logotipo, no tiene las connotaciones que tiene ahora.

Porque, ya sabes, si piensas en la forma en que está estructurada nuestra sociedad, las marcas y la ropa tienen una cierta identidad en sí mismas. Entonces hay consumidores para esa identidad, ¿no? Pero si piensas en la forma en que “Station Eleven” el mundo es aniquilado, ese tipo de identidad ya no existe. Entonces, cuando usan logotipos, no tienen ese apego a una identidad, pero sí tienen un apego a un tipo específico de tiempo en general.

En realidad, con Alex (Philippine Velge), fue un poco especial porque ella [grew up] pospandemia. Pensé, ¿cómo sería si tuviéramos a esta chica, y ella se siente tan atraída por todo lo que sea con volantes, basura y disfraces? Elegimos su ropa desde ese tipo de perspectiva, porque ella no sabe qué es de buen gusto y qué es de mal gusto. No existe esa construcción para ella.

Para ella, y mucho de The Travelling Symphony, se trata de la experiencia pura de este objeto y no de la connotación.

Y también creamos muchas cosas para Alex, ya que, ya sabes, ahorramos mucho para que ella encontrara las piezas específicas que mostraran ese tipo de exuberancia y desapego que tiene con otros tipos de ropa que podrían ser visto ahora

. . . Entonces, en lugar de decir, “queremos que esta persona se vista en este nivel socioeconómico”, se trataba mucho de ponerle la ropa al actor y ver qué leen las cosas, que es muy diferente a los programas regulares. Era mucho más experimental.

Sí, es muy divertido. Sabes, estudio mucha historia del vestuario. Y fue realmente bueno ver cómo la ropa de diferentes épocas, la ropa destinada a diferentes tipos de personas (mayores, jóvenes, hombres, mujeres) se lee de manera tan diferente en una persona cuando el mundo está algo liberado para poder usar cualquier cosa. que ellos quieren

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Se habló mucho de que la gente en el aeropuerto era muy comunitaria. Así que miramos muchos tipos de foros comunales y kibutz. Aquí es donde surge una idea extraña: acabo de hablar con Patrick y dije que la mayoría de las personas en este mundo necesitan sentirse como a) que son granjeros yb) que son parte de un Gap. anuncio. Y así fuimos con esa construcción.

Los hice a propósito mucho más pálidos, en términos de saturación en su ropa en comparación con The Travelling Symphony. Y así, el contraste para el Museo de la Civilización fue que son mucho más, ya sabes, hombres y mujeres. No hay ningún tipo de fluidez de género. La paleta de colores es muy recortada, hay una practicidad en lo que usan.

Y las cosas que usan son mucho más reconocibles para la audiencia, porque en realidad se aferran al pasado mucho más que The Travelling Symphony. También hay otros elementos, como que no son nómadas. Eso significa que tienen mucho más acceso al lavado y, en general, a mantener su ropa limpia.

Pero cuando pensé en la jerarquía, solo estaban Elizabeth (Caitlin FitzGerald), Clark (David Wilmot) y Miles (Milton Barnes), y solo quería que parecieran estar por encima de todos.

La dirección era hacerlos un poco más disfrazados, que sus atuendos se armaran con más cuidado. Usan joyas cuando nadie más en todo el mundo usa joyas, para indicar la jerarquía en la que se encuentran.

Y luego, en mi mente, eran como senadores romanos en la República.

Tuvimos que pedir ropa para eso. Pero muchos de los textiles fueron encontrados textiles que desarmamos y volvimos a armar para esa sección. Clark usó esta gigantesca ornamentación cuando lo conociste por primera vez en el aeropuerto. Eso se construyó a partir de varios tipos diferentes de collares antiguos que encontramos y volvimos a armar. Y Elizabeth, sé que no puedes contar muchos detalles en los desfiles, el collar de Elizabeth fue hecho a mano por nuestro equipo de sastrería. Creo que retorcieron toda la tela y le hicieron todos sus collares.

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En realidad son carretes. Todo está hecho de cartón y núcleo de espuma y pintado. El encaje que sale de esa corona es encaje de los años 30. Toda esa tela se obtuvo y se encontró en mantas viejas. Todo lo que ves en la Sinfónica, que fue hecho para esos disfraces, fue encontrado.

Cuando se trata de ese disfraz de Gertrude, preguntamos: “¿Qué hace que alguien sea femenino?” Y si queremos poner moños y volantes en algo porque esa es la construcción tradicional de lo femenino, simplemente pongámoslo por todas partes.

Creo que eran alfombras de goma. Patrick tenía algo muy específico en el que quería que se hiciera con cosas del aeropuerto. Y querían que su disfraz fuera más simple, mucho más simple que los disfraces de Mackenzie. La idea es que August está a cargo de crear y pensar en estos disfraces, y evolucionó para hacer un tipo diferente de disfraz al final del espectáculo. Así que empezamos a simplificarlo con los elementos de golf. Luego llegamos a esa versión de “Hamlet” al final, cuando se convierte en una especie de disfraz básico muy, muy simple que todavía tiene en mente al personaje que es Hamlet.

Una gran parte de crear estas cosas fue confiar en la audiencia. Y creo que la respuesta está más allá de lo que podría esperar, principalmente porque pasamos mucho tiempo investigando. La gente no tiene idea de cómo obtenemos meses y meses de investigación, sobre arte y películas. Y para que se vea en la pantalla de la forma en que lo hace y se filme de manera tan hermosa. Es solo que está más allá de lo que podría decir.

Para mí, Symphony se trata de arte colaborativo, ¿verdad? Y entonces, el elemento de vestuario es arte colaborativo para mí. No estaría allí sin que todos los involucrados dieran lo mejor de sí mismos y entendieran para qué estamos trabajando como un todo.

Que las personas aún buscan la comunidad incluso en su estado emocional más grave. Y, a través de todo esto, las personas aún podrían salir por el otro lado con aspectos eternos de sí mismos intactos, que es la creatividad, que es querer pertenecer. Independientemente de la sociedad que crees, ese tipo de cosas son los bloques de construcción fundamentales.

Y el hecho de que, ya sabes, la supervivencia realmente no se trata solo de encontrar comida y estar a salvo. La supervivencia se trata de iluminar este elemento creativo de nosotros mismos. Y eso es fundamental para el funcionamiento de la humanidad.

Eso es también lo que lo hace diferente de otras cosas post-apocalípticas. No hablan del hecho de que el arte, el teatro, cosas así realmente importan y alimentan el alma humana. Es esta otra capa dimensional para funcionar como ser humano.

Todos los episodios de “Station Eleven” están disponibles para transmitir en HBO Max.

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